Натюрморт напоминающий человеку о бренности его существования. Жизнь, смерть и время

Винсент Лауренс ван дер Винне (1629–1702).
Холст, масло. 64*49.Подпись: (малоразборчива, первые буквы сплетены) посередине вверху: “VL ouren”.

Авторство

Считалась работой неизвестного голландского мастера XVII века (на основании подписи называвшегося иногда фантастическим именем Фиренс). Данная атрибуция впервые предложена в 1962 году. Картина отчасти близка по колориту и композиции к натюрморту Винсента Лауренса ван дер Винне, хранящемуся в Музее Франса Халса, Харлем. Подписи на обеих картинах отчасти сходны (сплетенные буквы VL); остальные буквы на картине читаются как буквы имени “laurensz”, которым всегда подписывался художник. Аналогичные мотивы картины ван дер Винне хранятся в Лувре (Париж).

На картине изображен портретный рисунок; видимо, это автопортрет автора или его портрет работы другого мастера. Черты лица изображенного схожи с портретами ван дер Винне работы Лендерта ван дер Когена и Юдифи Лейстер.

Суета Сует

Предметы представляют собой атрибуты аллегорической композиции, где книги символизируют знание и мудрость, а популярный мотив бессмертия искусства читается в музыкальном инструменте и набросках. Символом земного величия и славы служит знамя (задний план). Быстротечность и бренность показывают песочные часы. Хрупкий сосуд на боку пуст подобно человеку. Центральная прозрачная сфера, по всей видимости, служит не только атрибутом мира на работе, но и отсылает к строкам, изображенным на листе, в которых содержатся слова о пустоте и лживости земной славы. Двойной автопортрет художника (отражение в сфере и рисунок) углубляет символику произведения.

Мотив автопортрета художника, отражающегося в стеклянной сфере (восходящий к автопортрету Яна ван Эйка в сферическом зеркале в Портрете четы Арнольфини), связан с идеями хрупкости, разрушения мира, внутри которого живет мастер, создается искусство; стеклянная сфера в эмблематике XVII–XVIII веков имела именно это значение хрупкости земных дел.

Еще одна деталь натюрморта может быть расшифрована как мотив «Ванитас» - изображение счетной книги, в которой подводятся итоги за день, ведется счет убывающим дням; на картине мы видим именно такую книгу продолговатой формы, помеченную типичным знаком торговой фирмы, в который должна была включаться буква «М».

Культурный код

Екатерина Яшанина

Голландский натюрморт — это любование вещным миром. Даже когда на полотне изображены не роскошная снедь и кубки с вином, а символы смерти и бренности земной жизни.

Суета сует. Юриан ван Стрек, ок. 1670

После долгих войн с испанскими Габсбургами Северные Нидерланды в конце XVI столетия обрели независимость (де-юре она была закреплена лишь в 1648-м). В Европе образовалась первая республика с демократической конституцией и победившим кальвинизмом. Эта политическая революция послужила причиной столь же кардинальных изменений в изобразительном искусстве. Кальвинизм осуждал всякую пышность и запрещал изображения в церквях. Если раньше художники занимались в основном украшением храмов и дворцовых интерьеров, то теперь они этих заказов лишились. Зато возник массовый спрос на станковую живопись — картины сравнительно небольшого формата, которые в бюргерских и даже крестьянских домах служили одновременно и украшением, и своего рода рассказчиком, как у нас сейчас телевизор. Живописный бум породил целую плеяду выдающихся художников: в маленькой Голландии (главной провинции Северных Нидерландов) одновременно творили два универсальных гения — Ян Вермеер и Харменс Рембрандт, изумительный портретист Франс Хальс, а вообще живописцев было более двух тысяч.

Популярными сделались пейзаж, сцены частной жизни, натюрморт, который в Голландии назывался stilleven — «тихая, застывшая жизнь». Натюрморты у «малых голландцев» (так позже стали называть голландских художников, работавших в этих «малых» жанрах) отличались удивительным тематическим разнообразием: завтраки (стол со снедью и винами), цветы — с насекомыми, улитками и ящерицами (изображенными с точностью, достойной ботанико-зоологического атласа), атрибуты курильщика — трубки, табакерки и прочее, рыбные натюрморты, охотничьи — с оружием и трофеями, ученые — с книгами, глобусами, музыкальными инструментами... Особый разряд составляли аллегорические натюрморты vanitas — «суета сует», говорящие о быстротечности жизни, тщете всего сущего и неотвратимости смерти. Название отсылает к библейскому стиху Vanitas vanitatum omnia vanitas («Суета сует, сказал Екклесиаст, суета сует, — все суета!», Еккл. 1:2). Жанр отчасти ведет свою родословную от изображений черепов и цветов, которые иногда писали на оборотах портретов художники Возрождения. Эти знаки, судя по всему, служили своего рода оберегами для живой модели, изображенной на портрете (для суеверно-магического сознания портрет — вещь опасная, поскольку он похищает душу изображенного на нем человека). Натюрморты vanitas появились около 1550 года. Самые ранние из них — почти монохромные, строгие и мрачные, обычно фронтально изображенный череп (чаще всего в нише со свечой). В XVII веке композиция их в соответствии со вкусами эпохи становится преимущественно барочной, с резкими цветовыми контрастами, нагромождением предметов — атрибутов роскоши, тщеславия и суеты, как на картине Юриана ван Стрека Vanitas vanitatis. Натюрморты эти сделались модными в 1620-х годах. Особенно ими славился город учености Лейден. Сюжетная их основа восходит к средневековым аллегорическим картинам: «триумфам» и «пляскам Смерти» — на них Смерть уводит в хороводе людей всех возрастов, званий и сословий в мир иной. Только «пляшут» на vanitas не люди, а вещи. Словом, для любителя выискивать скрытые в картине коды любой голландский натюрморт — находка: даже дым от трубки там не просто дым, а символ эфемерности наших надежд.

Книга — трагедия Софокла «Электра» — в данном случае символ многозначный. Поместив ее в композицию, художник напоминает о неотвратимости воздаяния за всякое преступление не на земле, так на небе, поскольку именно этой мыслью пронизана трагедия. Античный мотив в таких натюрмортах часто символизировал преемственность искусства. На титульном листе стоит имя переводчика, знаменитого голландского поэта Йоста ван ден Вондела, произведения которого на античные и библейские сюжеты были столь злободневными, что он даже подвергся преследованиям. Вряд ли художник поместил Вондела случайно — не исключено, что, говоря о суетности мира, он решил упомянуть и о суетности власти.

Меч и шлем — эмблема преходящей воинской славы.

Белый с красным плюмаж — композиционный центр картины. Перья всегда означают тщеславие и суету. По шлему с плюмажем картину датируют. Лодевейк ван дер Хельст в 1670 году изобразил в таком шлеме на посмертном портрете адмирала Стерлингверфа. Адмиральский шлем присутствует еще на нескольких натюрмортах ван Стрека.

Портрет сангиной . В отличие от масла сангина очень плохо сохраняется, как и бумага по контрасту с холстом. Этот лист говорит о тщете усилий художника, потертые и надорванные края призваны усилить эту мысль.

Золотая бахрома — тщета роскоши. Эту бахрому ван Стрек написал еще раз в натюрморте с апельсинами и лимоном, который тоже выставлен в ГМИИ.

Череп — в античной культуре атрибут Кроноса (Сатурна), то есть символ времени. Колесо Фортуны также изображали с черепом. Для христиан он знак мирской тщеты, мысленного созерцания смерти, атрибут отшельнической жизни. С ним изображали святого Франциска Ассизского, святого Иеронима, Марию Магдалину, апостола Павла. Череп также символ вечной жизни Христа, распятого на Голгофе, где, по преданию, был закопан череп Адама.

Колос , обвивающий череп, — символ бессмертия души («Я есмь хлеб жизни» — Ин. 6:48), надежды на жизнь вечную.

Стопка ветхих бумаг — тщета знаний.

Пороховой рог на цепочке — очень характерный предмет для голландского натюрморта. Здесь его, по всей видимости, следует трактовать как нечто, несущее смерть, в отличие от рога изобилия.

Судьба полотна

Картина написана маслом на холсте довольно большого формата (98 × 84 см) около 1670 года. Князь Дмитрий Голицын приобрел ее в 1766-м для Эрмитажа на аукционе, где распродавалась коллекция французского художника Жака Аведа. В 1854-м Николай I распорядился продать ее вместе со многими другими картинами для пополнения истощенной военными расходами казны. С 1928 года натюрморт хранится в Государственном музее изобразительных искусств в Москве.

Портреты в гравюре Johan Hendrik Roos and Juriaan van Streek (нижний портрет), by Jakob Campo Weyerman, 1729

Юриан ван Стрек (1632-1687) и Хендрик ван Стрек (1659-1713)

Биографических сведений о семье художников ван Стрек сохранилось немного, но их восхитительные натюрморты-«завтраки» и «десерты», создающие у зрителя ощущение праздника, являются украшением самых знаменитых музеев мира. Роскошные южные фрукты, чудесные цветы — вот главные мотивы работ отца и сына ван Стрек.

Голландский живописец Юриан ван Стрек родился в Амстердаме. В этом городе он и работал до последних дней своей жизни. Большую известность художнику принесли виртуозно выполненные натюрморты с фруктами и цветами.

Театр «Школа драматического искусства» подготовил для зрителей очередной масштабный эксперимент: режиссер Борис Юхананов поставил в родных для себя стенах спектакль «Стойкий принцип» - творческий микс «Стойкого принца» Кальдерона и «Пира во время чумы» Пушкина, невероятное действо в шести частях, точнее - «в трёх актах, двух кладбищах и одном концерте».

В пьесе испанского драматурга XVII века Педро Кальдерона «Стойкий принц» рассказывается история португальского инфанта Фернандо, взятого в плен маврами. За его освобождение султан просит сдачу города Сеуты, однако принц, невольник чести, сам отказывается от подобного, на его взгляд, неравноценного обмена и предпочитает рабство сдаче с трудом завоеванного португальцами города.

За этим принципиальным поступком Фернандо стоят не только традиционные дворянские представления о чести и долге, но и «темный» барочный взгляд на человеческую жизнь.

Название сочинения, ставшего визитной карточкой Кальдерона - пьесы «Жизнь есть сон», вполне передает суть этого отношения, которое, сильно упрощая, можно было бы обозначить как «что воля, что неволя - все равно». Мрачный фатализм, акцент на скоротечности и загадочной случайности бытия, а также неминуемости и даже, в подобном контексте, радостности смерти, - все это в числе мотивов, побуждающих принца смириться со своей участью и отказаться от возможности выкупа. Подобный взгляд на судьбу является своеобразной версией христианского смирения, выражающегося в способности видеть во всяких, даже самых мрачных жизненных перипетиях, благую волю милосердного Творца, противостоять непостижимому движению которой у человека нет ни права, ни возможности. Есть лишь выбор внутреннего пути, пути души, в заданных некой силой обстоятельствах.

Сумрачная барочная пышность, которой дышит довольно «тяжелый» поэтический текст Кальдерона, соединяется в спектакле с эстетикой фантасмагории и абсурда, призванных показать на практике «сонную» и причудливую природу реальности. Спектакль, по обозначению режиссера, становится путешествием, причем не только и не столько во времени и пространстве - к месту пленения Фернандо в африканский город Фец XV века, но, скорее, увлекательным заплывом в глубины культурного и авторского бессознательного, прогулкой по лабиринтам бесконечной и бескрайней жизни-сна, включающей в себя все и вся в существующем единовременно, одномоментно сплаве. Раки, задаваемые Кальдероном, заполняются вдруг нашествием посторонних, «случайных» персонажей, к которым присоединяются в итоге и герои Пушкина, и сам поэт. Режиссер расщепляет ткань пьесы на тонкие волокна и перемежает их комическими и музыкальными дивертисментами (включающими песни от Вертинского до Генсбура), буйством абсурдистской фантазии и гротескными деталями вроде «бегающего» трона султана.

Нагнетая настроение фантазма, буквально выматывая зрителя выламыванием и стиранием привычной логики вещей, Юхананов, множа, терзая, раскатывая эхом текст кальдероновской пьесы, добивается ощущения сумбурности и химеричности, естественных для сна.

Ставя под сомнение «реальность» реальности, режиссер, словно Буратино, проткнувший носом старый холст в каморке Папы Карло, прорывается к бытию иного порядка: дзенское выворачивание наизнанку линейной природы сюжета и образов пьесы-основы приводит, через веселый и пугающий хаос, к прорыву в настоящую свободу, а понимание того, что «все есть сон», становится первым шагом к пробуждению.

Явленный зрителю спектакль-сон то течет ровно и будто бы начинает казаться «реальностью», то вдруг взрывается какой-нибудь парадоксальной деталью, вроде многократно повторяемых актерами концовок слов, что в логике сна и его внутренней действительности парадокса не является ни удивительным, ни странным. Эта «потусторонняя» реальность свободна от «естественных» законов, она соединяет сразу все миры, временные пласты, возможности и невозможности воедино. Ее главным постулатом становится отсутствие структуры и логики: не стоит ждать, что вы знаете, как поведут себя и как будут выглядеть персонажи в следующий момент - вы ведь не предъявляете претензий персонажам и логике собственного сна, позволяя ему смешивать и сталкивать образы, людей и события, несоединимые «в реальности». В камере-обскуре сна все существует одновременно и не нуждается в объяснении, оправдании и смысле - великая игра просто играет саму себя и явно получает от этого удовольствие, пугаясь создаваемому внутри себя страху и радуясь собственной радости.

Режиссер-демиург мастерски плетет ткань зачарованной иллюзии, готовя для зрителей много загадок, вопросов, сюрпризов и вызывая из тумана сцены и миражей собственной фантазии все новых духов, призраков и инкубов. Видение их зловещих, чарующих, пугающих игр и трюков становится главной интригой постановки. Неуловимость, изменчивость и очаровательное безумие этого коллективного сновидения безуспешно пытаются удержаться в шатком каркасе сюжета пьесы, однако в итоге сполна переливаются через край, обретая собственную ценность: именно ради того, чтобы наяву причаститься иллюзорного, рассыпающегося хлеба сновидения, и стоит идти на спектакль.

Актеры самозабвенно окунаются в стихию трагедии-балагана - и исполнители главных и второстепенных ролей достойны всяческих похвал, но чем дальше, тем больше Фернандо (Игорь Яцко) своими пламенными философскими речами, а также трагичностью и загадочностью своей жертвы, притягивает внимание зрителя.

Постановка невероятно щедра с точки зрения звука: артисты, которым режиссер подарил поистине безграничный репертуар, поют и соло, и хором. Дурманящие арабские мотивы сменяются ироническими номерами в сопровождении живого ансамбля, а звуковые эффекты во время действия создаются актерами прямо на сцене при помощи разнообразных инструментов, например, барабанов. Не обойдены вниманием и танцы: персонажи самозабвенно отплясывают то танец с саблями, то эксцентричное аргентинское танго.

Фантасмагорические декорации добавляют действу своеобразия, подчас растворяясь в мерцающем цветном тумане: пространство сцены при помощи света меняется быстро и до неузнаваемости, в точности как и следует антуражу сна.

Весьма удачным для спектакля оказывается формат зала в виде амфитеатра, спускающегося к «плоской» сцене - режиссер периодически обращает отдельные действия и реплики артистов к сидящим тут же зрителям, ломая «четвертую стену» и делая соучастниками своих наэлектрифицированных грез всех присутствующих. В итоге все окончательно перемешивается, и разобраться в том, кто сновидец, а кто сновидение, уже решительно не остается никакой возможности…

Апр 30, 2013 Мария Эстрова

Vanitas (Суета сует) - от лат. vanus - "пустой", "эфемерный", "бренный". Развивается как жанр живописи с начала XVII века, выражая чувство неуверенности, которым пронизана европейская культура того времени.

Суета сует - это изображение человеческой жизни через символы с целью подчеркнуть ее неустойчивость и хрупкость. Возник в первые годы XVII века как живописный жанр, порожденный чувством неуверенности, которое овладело европейским континентом вследствие Тридцатилетней войны и распространения эпидемий чумы. Наряду с морализирующим мотивом бренности человеческой жизни, в рамках богатейшей иконографии "суеты сует" могут переплетаться политические и религиозные темы.

Неумолимый бег времени изображен через изношенные поверхности предметов, через слои пыли, медленно накапливающиеся на вещах, как в натюрмортах с музыкальными инструментами Эваристо Баскениса, через изображение материально бестелесных мотивов, таких как пение, дым и музыка. Эти утонченные, продуманные изображения неодушевленных предметов, доведенные до пределов виртуозности, позволяют художникам XVII века найти применение собственному мастерству в воспроизведении реальности.

Атрибуты:
Череп — напоминание о неизбежности смерти. Аналогично тому, как портрет является лишь отражением когда-то живого человека, так и череп является лишь формой когда-то живой головы. Зритель должен воспринимать его как «отражение», он наиболее отчетливо символизирует бренность человеческой жизни.

Гнилые фрукты — символ старения. Зрелые плоды символизируют плодородие, изобилие, в переносном смысле богатство и благосостояние. Ряд плодов имеет свое значение: грехопадение обозначается грушами, помидорами, цитрусами, виноградом, персиками и вишней, и конечно, яблоком. Эротический подтекст имеют инжир, сливы, вишни, яблоки или персики.

Цветы (увядающие) ; роза — цветок Венеры, символ любви и секса, которая тщеславна, как всё, присущее человеку. Мак — успокоительное средство, из которого изготавливают опиум, символ смертного греха лености. Тюльпан — объект коллекционирования в Нидерландах XVII века, символ необдуманности, безответственности и неразумного обращения с дарованным Богом состоянием.

Ростки зерна, ветви плюща или лавра (редко) — символ возрождения и круговорота жизни.

Морские раковины, иногда живые улитки — раковина моллюска является останками когда-то живого животного, она обозначает смерть и бренность. Ползучая улитка — олицетворение смертного греха лености. Большие моллюски обозначают двойственность натуры, символ похоти, ещё одного из смертных грехов.

Мыльные пузыри — краткость жизни и внезапность смерти; отсылка к выражению homo bulla — «человек есть мыльный пузырь».

Гаснущая дымящаяся свеча (огарок) или масляная лампа ; колпачок для гашения свечей — горящая свеча является символом человеческой души, её затухание символизирует уход.

Кубки, игральные карты или кости, шахматы (редко) — знак ошибочной жизненной цели, поиска удовольствий и грешной жизни. Равенство возможностей в азартной игре значило также и предосудительную анонимность.

Курительная трубка — символ быстротечных и неуловимых земных наслаждений.

Карнавальная маска — является знаком отсутствия человека внутри нее. Также предназначена для праздничного маскарада, безответственного удовольствия.

Зеркала, стеклянные (зеркальные) шары — зеркало является символом тщеславия, кроме того, тоже знак отражения, тени, а не настоящего явления.

Разбитая посуда, обычно стеклянные бокалы . Пустой стакан, противопоставленный полному, символизирует смерть. Стекло символизирует хрупкость, белоснежный фарфор — чистоту. Ступка и пестик — символы мужской и женской сексуальности. Бутылка — символ греха пьянства.

Нож — напоминает об уязвимости человека и о его смертности. Кроме того, это фаллический символ и скрытое изображение мужской сексуальности.

Песочные и механические часы — быстротечность времени.

Музыкальные инструменты, ноты — краткость и эфемерная природа жизни, символ искусств. Книги и географические карты (mappa mundi), писчее перо — символ наук.

Глобус , как земли, так и звездного неба.

Палитра с кистями, лавровый венок (обычно на голове черепа) — символы живописи и поэзии.

Портреты красивых женщин, анатомические рисунки. Письма символизируют человеческие отношения.

Красные сургучные печати .

Медицинские инструменты — напоминание о болезнях и бренности человеческого тела.

Кошельки с монетами, шкатулки с драгоценностями — драгоценности и косметика предназначены для создания красоты, женской привлекательности, одновременно они связаны с тщеславием, самовлюбленностью и смертным грехом высокомерия. Также они сигнализируют об отсутствии на полотне своих обладателей.

Оружие и доспехи — символ власти и могущества, обозначение того, что нельзя забрать с собой в могилу.

Короны и папские тиары, скипетры и державы, венки из листьев — знаки преходящего земного господства, которому противопоставлен небесный мировой порядок. Подобно маскам, символизируют отсутствие тех, кто их носил.

Ключи — символизируют власть домашней хозяйки, управляющей запасами.

Руины — символизируют преходящую жизнь тех, кто их населял когда-то.

Лист бумаги с нравоучительным (пессимистическим) изречением , например:
Vanitas vanitatum; Ars longa vita brevis; Hodie mihi cras tibi (сегодня мне, завтра тебе); Finis gloria mundi; Memento mori; Homo bulla; In ictu oculi (в мгновение ока); Aeterne pungit cito volat et occidit (слава о геройских поступках развеется точно также, как и сон); Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum (всё разрушается смертью, смерть — последняя граница всех вещей); Nil omne (всё — это ничего)

Очень редко натюрморты этого жанра включают человеческие фигуры, иногда скелет — персонификацию смерти. Объекты часто изображаются в беспорядке, символизируя ниспровержение достижений, которые они обозначают.

1. Погасшая свеча, черепа, песочные часы и доспехи указывают на упадок испанской империи и на войны, следовавшие одна за другой, для того, чтобы ее сохранить.
2. Земной шар указывает на протяженность имперских владений от Америки до Восточной Европы.
3. На камее, которую держит ангел, изображен Карл V Габсбург.
4. Перед черепом на первом плане вырезана надпись: "Все есть ничто".
5. Первый план этой картины занимает стол с предметами, намекающими на тему бренности.
6. На столе, покрытом красной драпировкой, расположены драгоценные предметы, символ богатства Испании в эпоху Карла V. Картина на тему "vanitas" имеет политический подтекст и иллюстрирует потерю испанского господства в Европе XVII века.

1. Зажженный фитиль указывает на быстрое течение жизни.
2. Черепа и поломанные или помятые предметы - это выражение внутреннего диалога живописца, столкнувшегосся с неотвратимостью человеческой судьбы.
3. Флейта и ноты говорят об эфемерных радостях музыки .

1. Факел в руке и жаровня на первом плане - символы быстрого сгорания жизни.
2. Образ Спасителя указывает на жизнь небесную - истинное предназначене человека.
3. Тема азартных игр, таких как карты, шахматы или трик-трак, относится к показу несостоятельности земных удовольствий.
4. Драгоценные предметы, золотые монеты и украшения - это прицельное указание на суетность и тщету внешнего богатства.
5. Музыкальные инструменты - обычный мотив в аллегориях "суеты сует" XVII века.
6. Сцена пира напоминает о грехе чревоугодия и пороке неумеренности.
7. Павлин ассоциируется с гордыней и тщеславием.
8. Мотив мыльного пузыря напоминает о человеке-пузыре, беспощадной аллегории тщетности человеческого существования, которое должно исчезнуть, как мыльный пузырь.

Натюрморты vanitas в начальной форме представляли из себя фронтальные изображения черепов (обычно в нишах со свечой) или других символов смерти и бренности, которые писались на реверсах портретов в эпоху Ренессанса. Эти vanitas, а также цветы, которые также рисовали на оборотах — самые ранние примеры жанра натюрморта в европейском искусстве Нового Времени. Эти черепа на оборотах портретов символизировали смертность человеческой натуры (mors absconditus) и противопоставлялись живому состоянию модели на обороте картины. Самые ранние vanitas — обычно самые скромные и мрачные, зачастую чуть ли не монохромные. Натюрморты vanitas выделились в независимый жанр около 1550 года.

Художники XVII века перестали изображать череп строго фронтально в композиции и обычно «клали» его в стороне. По мере развития эпохи барокко эти натюрморты становились все более пышными и изобильными.
Они приобрели популярность к 1620-м годам. Развитие жанра вплоть до спада его популярности примерно в 1650-х гг. сосредотачивалось в Лейдене, нидерландском городе, который Бергстром в своем исследовании на тему нидерландского натюрморта объявил «центром создания vanitas в 17-м веке». Лейден являлся важным центром кальвинизма, течения, которое осуждало моральную развращенность человечества и стремилось к твердому моральному кодексу. Бергстром считал что для кальвинистских художников эти натюрморты являлись предупреждением против тщеславия и бренности и были иллюстрацией кальвинистской морали того времени. Так же на сложение жанра вероятно повлияли гуманистские воззрение и наследие жанра.

И несколько его офортов. В первую очередь, посетителям нужно показать портреты старика и старушки. Образы стариков очень проникновенны, они передают не столько внешнюю красоту, уже давно ушедшую. Их внешняя привлекательность осталась в прошлом. Мастер с удивительным талантом показывает, насколько богата внутренняя жизнь его героев, их внутренний мир.

Рембрандт “Портрет пожилой женщины” Рембрандт “Потрет старика”

Одним из блестящих шедевров музея является полотно .

Сюжет повествует об истории иудейской девушки по имени Эсфирь. Она становится женой восточного деспота, царя Артаксеркса, который не знает о её происхождении. Когда первый министр Артакеркса, Аман, готовит тайный приказ об истреблении всех иудеев, узнавшая о его жестоком замысле Эсфирь берёт с мужа клятву, что он будет бороться со всеми её врагами и врагами её народа. Узнав о тайном заговоре Амана, Артаксеркс велит казнить его. Царь следует данной им клятве и встает на сторону супруги. На полотне изображён некий пир, на котором выясняются все подробности тайного замысла Амана. В центре сидит Артаксеркс, рядом с ним – Эсфирь. На противоположной стороне – Аман. При помощи света и композиции Рембрандт показывает, кто окажется победителем в этом противостоянии. Фигура Эсфири ярко освещена, она не просто светится, а вся сияет, блистает. Фигура Амана оказывается в тени и сразу становится ясным, что победительницей в споре выйдет именно Эсфирь.

Подробно о полотнах Рембрандта рассказано в серии публикаций:

Зал 11. Искусство Голландии XVII века

Методический совет: после , где экспонируется , показывать сразу зал № 11. Зал Рембрандта – проходной, чтобы продолжать экскурсию, через этот зал придётся пройти дважды. В том случае, когда работы Рембрандта показывают на выходе, контраст будет ярче и впечатление окажется сильнее. Получается так, что вы показываете огромные картины фламандских художников, а потом заходите в зал № 11 с небольшими и тёмными картинами голландских мастеров в скромных рамах. Поэтому, целесообразно пройти сразу в зал , а на возврате показать .

Всё голландское искусство того времени связано с протестантским сознанием XVII века. Художники изображали горожан, бюргеров, даже ремесленников, купцов, у которых скромные, но уютные жилища и которые украшают свои дома такими же небольшими, скромными картинами. В Голландии в это время полотна создаются отнюдь не по заказу церкви или аристократии, как во Фландрии. Это совсем другой социальный заказ. И картины совершенно иные. В будние дни такие картины закрывали шторками, чтобы их не засиживали мухи, не садилась пыль. Когда наступал праздник, приходили гости или просто хотелось посмотреть на картину, шторки открывали, а потом, непременно, закрывали вновь. Поэтому художники писали очень маленькие, уютные картины. Не случайно живописцев, создававших такие образы, называют .

Есть разные версии происхождения этого термина в искусстве и все они отчасти верны. С одной стороны, эти художники менее известны, чем Франс Халс и Рембрандт – великие голландцы, то есть все остальные – малые по сравнению с ними. С другой стороны, эти камерные работы отличаются малым форматом, скромным сюжетом, бытовыми образами, всегда взятыми из жизни. То есть малые – не великие, малые – по малому размеру полотен, малые – потому что сюжет картин был не героический, а бытовой, камерный.

Натюрморты. Искусство Голландии XVII века

Очень популярны были натюрморты. Картины голландских мастеров невероятно живоподобны. Голландская живопись XVII века – это уже начало реализма в живописи. Натюрморты удивительно реальны, но они гораздо скромнее, естественнее, чем у фламандцев. “Малые голландцы” пишут не изобилие даров моря или плодов земли, а так называемые «завтраки», изображающие несколько скромных, будто даже забытых вещей. Не случайно на их картинах удивительное ощущение тихой жизни предметов. По-голландски это «стил ливен», натюрморт – это французское название. В северно-европейских языках это название переводится не как мёртвая природа, а как тихая жизнь.

Питер Клас “Завтрак” Геррит Виллемс Хеда “Ветчина и серебряная посуда”

Пейзажи. Искусство Голландии XVII века

В нижнем ряду мы видим пейзажи и опять же они не огромные и монументальные, а маленькие, которые изображают реальные задворки какой-то голландской деревни. В коллекции представлена работа Яна Йозефса ван Гойена “Вид реки Ваал у Неймегена”.

Ян Йозефс ван Гойен “Вид реки Ваал у Неймегена”

Крепость Неймеген сыграла очень большую роль в национально-освободительной борьбе. Но мы видим не город-герой, а маленькую крепость на берегу реки. Главными героями здесь становятся коровы, которые пришли на берег реки напиться воды и рыбаки, тянущие сети.

Наше внимание привлекает бочка, плывущая по реке. Это тихий, мирный, уютный мир, мир привычный, мир, который мастера видели ежедневно, мир повседневной обыденности. Но гениальность голландских живописцев XVII века заключается в том, что они сумели за этой обыденностью увидеть красоту. Для этого не надо идти на край света, и искать эффектные горы и закаты, а нужно просто выглянуть в окно и сказать: «Ох, как красиво!» и передать это на своём полотне.

Голландцы также стали одними из основоположников бытового жанра. Собственно, окончательное разделение живописи на жанры произошло в Голландии в XVII веке, где был очень популярен именно бытовой жанр.
Картин бытового жанра у нас достаточно много, следует обратить внимание на три вещи.

Бытовой жанр. Искусство Голландии XVII века

Одна из картин – «Крестьянская свадьба» Яна Стена. Сюжет этой картины очень интересен.

Ян Хавикс Стен “Крестьянская свадьба”

Видно, что все гости жениха и невесты как-то очень странно смеются, а мальчик с ехидной улыбкой показывает на живот невесты. Немолодому солидному жениху подсунули молодую, но беременную невесту. Он ещё об этом не знает и здесь его, блудливо посмеиваясь, зовут в супружескую спальню. Это правая часть композиции. В левой части изображено, как девушка беседует со священником, мать кормит дитя, девочка играет с собачкой. Собачка – символ верности. С одной стороны показано, как делать не нужно, а с другой стороны – как должно поступать, на картине ясно приведён пример дурного и хорошего поведения.

Бытовой жанр. Нравоучения.

Голландская живопись XVII века была невероятно нравоучительной. И то, что нам иногда кажется почти развратной сценой, на самом деле является примером того, как не следует вести себя или, наоборот, указанием на то, как делать нужно. Например, в картине Терборха изображён бокал вина. Мы видим девушку, которую юноша угощает вином и она уже готова это вино выпить. На самом деле вино – это символ распущенности, а в данном случае – это символ свободной любви. Если мужчина предлагает девушке бокал вина, а она этот бокал вина принимает, то, очевидно, что она примет и все прочие его предложения.
Герард Герардс Терборх “Сцена в кабачке”

Более сдержанная сцена – это сцена с попугаем. На самом деле попугай – это символ праздности и глупости. Здесь девушка, вместо того, чтобы заниматься шитьём, подумывает о другом, не столь целомудренном занятии. Мы видим, что она закрыла свою шкатулку для рукоделия, а попугая выпустила из клетки, то есть она выпустила из клетки свою праздность и глупость.
Габриэл Метсю “Девушка за работой”

Больной старик. Искусство Голландии XVII века

И, наконец, сцена в углу, картина – «Больной старик». В советские времена здесь лили слёзы, оплакивая грустную старость этого старика, которому молодая дочь суёт сухие кости вместо еды.

На самом деле, здесь совершенно иной сюжет. Дело происходит в публичном доме, куда пришёл этот старик. Сводня, написанная в центре, предлагает ему молодую девушку. Девушка ему отвечает: «Пожалуйста, всё за ваши деньги». В руке у старика кошелёк с деньгами. Однако сухие кости как бы говорят, что старый сластолюбец уже сам, как высохшая кость, и его затея не стоит выеденного яйца. Это подчёркивают разбросанные по полу пустые выеденные скорлупки.

А на заднем плане полотна изображена прямо противоположная картина. Там видны молодые мужчины и женщины, у которых в тарелке-сетке лежат целые яйца. Здесь речь идёт о том, что торговля идёт полным ходом и всё будет успешно.

Немаловажно и то, что все свечи и лампы погасли, а на стене висит картина. Если на голландском полотне изображается ещё одна картина, то она служит неким ключом к толкованию сюжета. Картина на стене изображает ветхозаветный сюжет «Сусанна и старцы».
Ян Хавикс Стен “Больной старик”

История повествует о том, как старики домогались Сусанны, а когда девушка им отказала, то они попытались её оклеветать, сказав, что это она их соблазняла. В религиозном иудейском государстве Сусанну за это полагалось побить камнями. Но мудрый судья догадался допросить стариков по отдельности и оказалось, что в деталях их показания не совпадают. Тогда он понял, что старики обманывают суд и их наказали. В данном случае, это прямое указание на то, что за своё недостойное поведение этот старик тоже будет наказан и, судя по всему, скоро, потому что погасшие светильники в голландской живописи означают смерть.