الفن المعاصر: اليابان. فنانون من اليابان - من العصور القديمة وحتى يومنا هذا مشاهير الفنانين اليابانيين ولوحاتهم

هل تحب الرسم الياباني؟ ما مدى معرفتك بالفنانين اليابانيين المشهورين؟ دعونا نلقي نظرة على أشهر الفنانين اليابانيين الذين ابتكروا أعمالهم بأسلوب ukiyo-e (浮世 絵) في هذه المقالة. تم تطوير هذا النمط من الرسم منذ فترة إيدو. الهيروغليفية التي تكتب هذا النمط 浮世 絵 تعني حرفيًا "صور (صور) للعالم المتغير" ، يمكنك قراءة المزيد عن اتجاه الرسم هذا

هيسيكاوا مورونوبو(菱 川 師 宣 ، 1618-1694). يعتبر مؤسس نوع ukiyo-e ، على الرغم من أنه ، في الواقع ، ليس سوى السيد الأول ، الذي تم الحفاظ على معلومات السيرة الذاتية الخاصة به. وُلد مورونوبو في عائلة أستاذ في صباغة الأقمشة والتطريز بخيوط ذهبية وفضية وكان في حرفة العائلة لفترة طويلة ، لذا فإن السمة المميزة لعمله هي الملابس الجميلة المزخرفة ، مما يعطي تأثيراً فنياً رائعاً .

بعد انتقاله إلى إيدو ، درس أولاً تقنيات الرسم بمفرده ، ثم واصل الفنان كامبون دراسته.

في الغالب وصلت ألبومات Moronobu إلينا ، حيث يصور الموضوعات التاريخية والأدبية والكتب مع أنماط الكيمونو. عمل السيد أيضًا في نوع shunga ، ومن بين الأعمال الفردية ، تم الحفاظ على العديد من النساء الجميلات.

(鳥 居 清 長 ، 1752-1815). تم الاعتراف بمعلم Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) في نهاية القرن الثامن عشر ، وهو يحمل الاسم المستعار Torii Kiyonaga ، الذي تولى به بعد أن ورث مدرسة أوكييو-إي توري من توري كيوميتسو بعد وفاة الأخير.

ولد كيوناجا في عائلة بائعة الكتب شيراكويا إيشيبي. جلب هذا النوع من bijinga له أعظم شهرة ، على الرغم من أنه بدأ مع yakusha-e. تم أخذ المؤامرات الخاصة بالنقوش في نوع bijinga من الحياة اليومية: المشي ، المواكب الاحتفالية ، الخروج إلى الطبيعة. من بين الأعمال العديدة للفنانة ، مسلسل "مسابقة الجمال العصري من الأحياء المرحة" الذي يصور مينامي ، أحد "الأحياء الترفيهية" في جنوب إيدو ، و "12 صورة للجمال الجنوبي" ، و "10 أنواع من المقاهي" دافع عن كرامته. كانت السمة المميزة للسيد دراسة مفصلة لمنظر الخلفية واستخدام التقنيات التي جاءت من الغرب لتصوير الضوء والفضاء.

اكتسبت Kiyonaga شهرتها الأولى مع استئناف في عام 1782 لسلسلة "عارضات الأزياء: عارضات جديدة مثل أوراق الربيع" ، التي بدأها Koryusai في سبعينيات القرن الثامن عشر للناشر Nishimurai Yohachi.

(喜 多 川 歌 麿 ، 1753-1806). تأثر معلم أوكييو-إي البارز بشكل كبير بتوري كيوناجا والناشر تسوتاي جوزابورو. نتيجة للتعاون الطويل مع الأخير ، تم نشر العديد من الألبومات والكتب مع الرسوم التوضيحية وسلسلة من النقوش.

على الرغم من حقيقة أن أوتامارو أخذ قصصًا من حياة الحرفيين البسطاء وسعى جاهدًا لتصوير الطبيعة ("كتاب الحشرات") ، إلا أن الشهرة جاءت إليه كفنان لأعمال مكرسة للجيشا من حي يوشيوارا ("Yoshiwara Green Houses Yearbook" ).

وصل أوتامارو إلى مستوى عالٍ في التعبير عن الحالات الذهنية على الورق. لأول مرة في النقوش الخشبية اليابانية ، بدأ استخدام التراكيب الصندوقية.

كان عمل أوتامارو هو الذي أثر على الانطباعيين الفرنسيين وساهم في اهتمام الأوروبيين بالمطبوعات اليابانية.

(葛 飾 北 斎 ، 1760-1849). اسم هوكوساي الحقيقي هو توكيتارو. من المحتمل أن يكون معلم الأوكييو-إي الأكثر شهرة في جميع أنحاء العالم. خلال عمله ، استخدم أكثر من ثلاثين اسمًا مستعارًا. في كثير من الأحيان ، يستخدم المؤرخون أسماء مستعارة لتقسيم عمله.

في البداية ، كان هوكوساي يعمل نحاتًا ، وكان عمله مقيدًا بنيّة الفنان. أثرت هذه الحقيقة على هوكوساي ، وبدأ يبحث عن نفسه كفنان مستقل.

في عام 1778 ، أصبح متدربًا في استوديو Katsukawa Shunsho ، المتخصص في مطبوعات yakusha-e. كان Hokusai طالبًا موهوبًا ومجتهدًا جدًا أظهر دائمًا الاحترام للمعلم ، وبالتالي تمتع بميزة Shunsho الخاصة. وهكذا ، كانت الأعمال المستقلة الأولى لهوكوساي في نوع yakusha-e في شكل ثنائيات وثلاثية ، واكتسبت شعبية الطالب شعبية المعلم. في هذا الوقت ، كان المعلم الشاب قد طور بالفعل موهبته لدرجة أنها أصبحت مزدحمة داخل مدرسة واحدة ، وبعد وفاة المعلم ، غادر Hokusai الاستوديو ودرس اتجاهات المدارس الأخرى: Kano ، Sotatsu (وإلا Koetsu) ، رينبا ، توسا.

خلال هذه الفترة ، يعاني الفنان من صعوبات مالية كبيرة. لكن في نفس الوقت ، يتم تشكيله كسيد ، الذي يرفض الصورة المعتادة التي يطلبها المجتمع ، ويبحث عن أسلوبه الخاص.

في عام 1795 ، تم نشر الرسوم التوضيحية للمختارات الشعرية Keka Edo Murasaki. ثم رسم هوكوساي لوحات سوريمونو ، والتي بدأت على الفور تحظى بشعبية ، وبدأ العديد من الفنانين في تقليدها.

منذ هذه الفترة ، بدأ توكيتارو في التوقيع على أعماله باسم هوكوساي ، على الرغم من أن بعض أعماله نُشرت تحت أسماء مستعارة تاتسوماسا ، توكيتارو ، كاكو ، سوروبيكو.

في عام 1800 ، بدأ المعلم يطلق على نفسه اسم Gakejin Hokusai ، وهو ما يعني "رسم جنون هوكوساي".

تتضمن سلسلة الرسوم الإيضاحية الشهيرة "36 مشهدًا لجبل فوجي" ، منها "الريح المنتصرة. يوم واضح "أو" ريد فوجي "و" الموجة العظيمة قبالة كاناغاوا "،" 100 مشهد لجبل فوجي "، صدر في ثلاثة ألبومات ،" هوكوساي مانغا "(北 斎 漫画) ، والتي تسمى" موسوعة الشعب الياباني " . استثمر الفنان في "مانجا" كل آرائه حول الإبداع والفلسفة. تعتبر "مانجا" أهم مصدر لدراسة الحياة في اليابان في ذلك الوقت ، حيث تضم العديد من الجوانب الثقافية. في المجموع ، تم نشر اثني عشر عددًا خلال حياة الفنان ، وبعد وفاته - ثلاثة أعداد أخرى:

* 1815 - الثاني ، الثالث

* 1817 - السادس ، السابع

* 1849 - الثالث عشر (بعد وفاة الفنان)

أثر فن هوكوساي على حركات أوروبية مثل الفن الحديث والانطباعية الفرنسية.

(河 鍋 暁 斎 ، 1831-1889). استخدم الأسماء المستعارة Seisei Kyosai ، Shuransai ، Baiga Dojin ، درس في مدرسة Kano.

على عكس Hokusai ، كان Kyosai وقحًا إلى حد ما ، مما تسبب في خلافه مع الفنان Tsuboyama Tozan. بعد المدرسة ، أصبح أستاذًا مستقلاً ، رغم أنه كان يزورها أحيانًا لمدة خمس سنوات أخرى. في ذلك الوقت ، كان يرسم الكيوجا ، ما يسمى بـ "الصور المجنونة".

من بين النقوش البارزة ، تميزت "مائة لوحة لكيوساي". كرسام ، يتعاون Kyosai مع فنانين آخرين لإنشاء رسوم توضيحية للقصص القصيرة والروايات.

في نهاية القرن التاسع عشر ، غالبًا ما كان الأوروبيون يزورون اليابان. كان الفنان على دراية ببعض منها ، والعديد من أعماله موجودة الآن في المتحف البريطاني.

(歌 川 広 重 ، 1797-1858). كان يعمل تحت الاسم المستعار Ando Hiroshige (安藤 広 重) وهو معروف بتصييره الدقيق للزخارف الطبيعية والظواهر الطبيعية. كتب أول لوحة "جبل فوجي في الثلج" ، المحفوظة الآن في متحف سونتوري في طوكيو ، وهو في العاشرة من عمره. كانت مؤامرات الأعمال المبكرة مبنية على أحداث حقيقية تجري في الشوارع. دوراته الشهيرة: "100 منظر لإيدو" ، "36 منظر لجبل فوجي" ، "53 محطة توكايدو" ، "69 محطة كيموكايدو" ، "100 منظر مشهور لإيدو". تأثر مونيه والفنان الروسي بيليبين بشكل كبير بالمحطات الـ 53 لطريق توكايدو ، والتي تم رسمها بعد السفر على طول الطريق الساحلي الشرقي ، بالإضافة إلى 100 منظر لإيدو. من سلسلة kacho-ga المكونة من 25 نقشًا ، أشهر ورقة هي "عصافير فوق كاميليا مغطاة بالثلوج".

(歌 川 国 貞 ، المعروف أيضًا باسم Utagawa Toyokuni III (Jap. 三代 歌 川 豊 国)). أحد أبرز فناني أوكييو-إي.

لقد أولى اهتمامًا خاصًا لممثلي الكابوكي والمسرح نفسه - وهذا يمثل حوالي 60 ٪ من جميع الأعمال. ومن المعروف أيضًا الأعمال الفنية من نوع بيججا وصور مصارعي السومو. من المعروف أنه أنشأ من 20 إلى 25 ألف قصة ، تضمنت 35-40 ألف ورقة. نادرا ما تحدث عن المناظر الطبيعية والمحاربين. أوتاغاوا كونيوشي (歌 川 国 芳 ، 1798 - 1861). ولد في عائلة صباغة حرير. بدأ كونيوشي تعلم الرسم في سن العاشرة بينما كان يعيش في عائلتهما للفنان كونيناو. ثم واصل الدراسة مع كاتسوكاوا شوني ، وفي سن الثالثة عشر دخل ورشة توكويوني. في السنوات الأولى للفنان الشاب ، الأمور لا تسير على ما يرام. ولكن بعد تلقي طلب من الناشر Kagaya Kitibei للحصول على خمس مطبوعات لسلسلة 108 Suikoden Heroes ، انطلقت الأمور. قام بإنشاء بقية الشخصيات في هذه السلسلة ، ثم انتقل إلى وظائف مختلفة أخرى ، وبعد خمسة عشر عامًا أصبح على قدم المساواة مع Utagawa Hiroshige و Utagawa Kunisada.

بعد حظر صور المشاهد المسرحية والممثلين والجيشا والمحظيات في عام 1842 ، كتب كونيوشي سلسلة "القط" الخاصة به ، ويصنع نقوشًا من السلسلة التعليمية لربات البيوت والأطفال ، ويصور أبطالًا قوميين في سلسلة "التقاليد والأخلاق واللياقة" ، و بحلول نهاية عام 1840 - X - بداية خمسينيات القرن التاسع عشر ، بعد تخفيف الحظر ، عاد الفنان إلى موضوع الكابوكي.

(渓 斎 英 泉 ، 1790-1848). معروف بأعماله في نوع المزايدة. في أفضل عمليتضمن صورًا من نوع okubi-e ("الرؤوس الكبيرة") ، والتي تُعتبر أمثلة على الحرف اليدوية في عصر بونسي (1818-1830) ، عندما كان نوع أوكييو-إي في حالة تدهور. قام الفنان بكتابة العديد من كتاب سوريمونوس الغنائي والمثير ، وكذلك دورة المناظر الطبيعية "تسعة وستون محطة كيسوكايدو" ، والتي لم يستطع إكمالها ، وأكملها هيروشيغي.

كانت الحداثة في تصوير bijinga شهوانيًا لم يكن لدى الفنانين الآخرين من قبل. من أعماله يمكننا أن نفهم الموضة في ذلك الوقت. كما نشر السير الذاتية لسبعة وأربعين رونين وكتب العديد من الكتب الأخرى ، بما في ذلك تاريخ مطبوعات أوكييو إي (Ukiyo-e ruiko) ، والتي تحتوي على سير ذاتية للفنانين. وفي مذكرات شيخ مجهول ، وصف نفسه بأنه سكير فاسد ومالك سابق لبيت دعارة نيزو احترق بالكامل في ثلاثينيات القرن التاسع عشر.

سوزوكي هارونوبو (鈴木 春 信 ، 1724-1770) الاسم الحقيقي للفنان هو هوزومي جيروبي. وهو رائد طباعة ukiyo-e متعددة الألوان. درس في مدرسة كانو ودرس الرسم. بعد ذلك ، تحت تأثير Shigenaga Nishimura و Toriya Kiyomitsu ، أصبح قطع الأخشاب شغفه. تم إجراء المطبوعات بلونين أو ثلاثة ألوان منذ بداية القرن الثامن عشر ، وبدأ Harunobu في رسم الصور بعشرة ألوان ، باستخدام ثلاثة ألواح والجمع بين ثلاثة ألوان - الأصفر والأزرق والأحمر.

برز في تصوير مشاهد الشوارع واللوحات في نوع الشونجا. ومنذ ستينيات القرن التاسع عشر ، كان من أوائل الذين بدأوا في تصوير الممثلين في مسرح الكابوكي. أثر عمله على إي مانيه وإي ديغا.

(小 原 古邨 ، 1877 - 1945). اسمه الحقيقي ماتاو أوهارا. مشاهد مصورة من الحروب الروسية اليابانية والصينية اليابانية. ومع ذلك ، بعد ظهور التصوير الفوتوغرافي ، بدأ بيع أعماله بشكل سيئ ، وبدأ في كسب لقمة العيش من التدريس في مدرسة الفنون الجميلة في طوكيو. في عام 1926 ، أقنع إرنست فيلوزا ، أمين الفن الياباني في متحف بوسطن ، أوهارا بالعودة إلى الرسم ، وبدأ الفنان في تصوير الطيور والزهور ، وبيعت أعماله بشكل جيد في الخارج.

(伊藤 若 冲 ، 1716 - 1800). تميز بين فنانين آخرين بغرابة أطواره وأسلوب حياته ، والذي كان يتألف من صداقة مع العديد من الشخصيات الثقافية والدينية في ذلك الوقت. تصور الحيوانات والزهور والطيور بطريقة غريبة للغاية. كان مشهورًا جدًا وأخذ أوامر لطلاء الشاشات ولوحات المعابد.

(鳥 居 清 信 ، 1664-1729). أحد أهم ممثلي فترة أوكييو-إي المبكرة. على الرغم من التأثير الكبير لمعلمه هيسيكاوا مونوروبو ، فقد أصبح مؤسس نوع yakusha-e في تصوير الملصقات والملصقات واخترع أسلوبه الخاص. تم تصوير الممثلين في أوضاع خاصة كأبطال شجعان وتم رسمهم
لونه برتقالي نبيل ، والأشرار رسموا باللون الأزرق. لتصوير العاطفة ، ابتكر الفنان نوعًا خاصًا من نمط الميميزوجاكي - وهي خطوط متعرجة ذات ضربات متناوبة رفيعة وسميكة ومدمجة مع صورة بشعة لعضلات الأطراف.

توري كيونوبو هو مؤسس سلالة توري للفنانين. طلابه هم توري كييوماسو ، توري كيوشيجي الأول ، توري كيوميتسو.

من هو فنان أوكييو-إي المفضل لديك؟

تختلف اللغة اليابانية عن أي لغة أوروبية في بنيتها ، مما قد يسبب بعض الصعوبات في التعلم. ومع ذلك ، لا تقلق! خاصة بالنسبة لك ، لقد طورت دورة "" يمكنك الاشتراك فيها الآن!

يبدو الفن الياباني بشكل عام والرسم الياباني بشكل خاص معقدًا وغامضًا لكثير من الناس في الغرب ، تمامًا مثل ثقافة الشرق ككل. نادرًا ما يميز أي شخص بين أنماط الرسم الياباني. لكن الشخص المثقف ، خاصة إذا كان متذوقًا للجمال ، سيكون من الجيد فهم هذا الموضوع.

الثقافة اليابانية والرسم في العصور القديمة

شارك ممثلو ثقافة جومون المبكرة (حوالي 7000 قبل الميلاد) في صناعة التماثيل الطينية ، وخاصة التماثيل النسائية. في فترة لاحقة ، بدأ القادمون الجدد في صنع أسلحة نحاسية ، وأجراس برونزية بأشكال مرسومة عليها بشكل تخطيطي ، وخزف بدائي. تعتبر اللوحات الجدارية للمقابر القديمة والرسومات الكنتورية على الأجراس من أقدم الأمثلة على الرسم الياباني.

تأثير الثقافة البوذية والصينية

تلقى تطور الفنون الجميلة في اليابان دفعة قوية مع ظهور البوذية من كوريا والصين إلى اليابان. أظهر الأشخاص في مناصب السلطة اهتمامًا خاصًا بالبوذية. نسخ الرسم في القرنين السابع والتاسع تقريبًا تقليد التصوير الصيني بالكامل تقريبًا ، وكانت الموضوعات الرئيسية في ذلك الوقت هي بوذا ، وكل ما يتعلق به ، ومشاهد من حياة الآلهة البوذية. في القرن العاشر ، تأثر الرسم الياباني بشدة بمدرسة Pure Land البوذية.


في القرنين السادس والسابع ، بدأ بناء المعابد والأديرة في جميع أنحاء اليابان ، الأمر الذي تطلب زخرفة موضوعية خاصة. تعتبر لوحة المعبد على الحائط إحدى المراحل الأولى في تطور الفنون الجميلة اليابانية. من الأمثلة الحية لرسومات المعابد اللوحات الجدارية في معابد أسوكا ديرا وشيتنوجي وهوريوجي. بعض الأعمال الأكثر تميزًا في ذلك الوقت موجودة في Golden Hall of Horyuji Temple. بالإضافة إلى اللوحات الجدارية ، تم تركيب تماثيل بوذا وآلهة أخرى في المعابد.

في منتصف فترة هاينان ، عوضًا عن مدرسة الرسم الصينية ، طورت اليابان أسلوبها الخاص المسمى yamato-e. زينت لوحات Yamato-e شاشات قابلة للطي وأبواب منزلقة ، كقاعدة عامة ، كانت كيوتو ومشاهد من حياة المدينة هي المؤامرة الرئيسية لياماتو إي. ورقة الألبوم والرسوم التوضيحية على المخطوطات (إيماكي) حيث ظهرت التنسيقات الرئيسية للرسم في وقت واحد تقريبًا مع yamato-e. يمكن رؤية أشهر أعمال إيماكي في الملحمة اليابانية The Tale of Genji ، والتي يعود تاريخها إلى عام 1130 ، على الرغم من أنها قد تكون كتبت في وقت سابق.


أثناء انتقال السلطة من الطبقة الأرستقراطية إلى الساموراي ، كان الأرستقراطيون يخشون خسارة ثرواتهم ، وغالبًا ما استثمروا في الأعمال الفنية ، وبكل طريقة ممكنة ، كانوا يرعون الفنانين المشهورين في ذلك الوقت. تم الحفاظ على الأعمال الكلاسيكية التي اختارها الأرستقراطيون ، كقاعدة عامة ، بأسلوب المحافظة. فضل الساموراي الواقعية ، خلال فترة كاماكورا (1185-1333) ساد هذان الاتجاهان في الفنون الجميلة في اليابان.

في القرن الثالث عشر ، شعرت ثقافة اليابان بتأثير قوي جدًا على بوذية الزن. في أديرة كاماكورا وكيوتو ، كانت تُمارس الرسم بالحبر على نطاق واسع ، وغالبًا ما تكون الرسومات بالحبر مخطوطات أو جدار أو أنبوبي. تم الاحتفاظ بالرسومات بالحبر بأسلوب بسيط أحادي اللون ، في الواقع ، جاء هذا النمط من الرسم إلى اليابان من إمبراطوريتي سونغ (960-1279) ويوان (1279-1368). بحلول نهاية عام 1400 ، أصبحت المناظر الطبيعية ذات الحبر الأحادي اللون والتي تسمى شيبوكوجا شائعة بشكل خاص.

فترة إيدو اللوحة

في عام 1600 ، جاء شوغون توكوغاوا إلى السلطة ، وساد نظام واستقرار نسبيان في البلاد ، وتجلى ذلك في جميع مجالات الحياة - من الاقتصاد إلى السياسة. بدأت طبقة التجار في الثراء بسرعة وإبداء الاهتمام بالفن.

تصور الأعمال الخلابة في الفترة من 1624 إلى 1644 ممثلين من مختلف الطبقات والممتلكات في المجتمع الياباني ، وهم يتجمعون في إحدى مناطق كيوتو بالقرب من نهر كاموجاوا. توجد مناطق مماثلة في أوساكا وإيدو. ظهر نمط منفصل من الأوكييو-إي في الرسم ، وكان محور حبكاته هو الأماكن المسكونة ومسرح الكابوكي. أصبحت أعمال أوكييو-إي شائعة في جميع أنحاء البلاد ، وبحلول أوائل القرن الثامن عشر ، كانت أوكييو-إي تُمثل غالبًا في شكل مطبوعات خشبية. كانت الصور المطبوعة الأولى في هذا النمط مخصصة لموضوعات أو نصوص حسية وإثارة. في نهاية القرن الثامن عشر ، انتقل مركز نشاط الرسم في أوكييو-إي من منطقة كيوتو-أوساكا إلى إيدو ، حيث احتلت صور ممثلي الكابوكي وصور الجمال اليابانيين مركز الصدارة في معرض الموضوعات.

يعتبر أواخر القرن الثامن عشر العصر الذهبي لأوكييو إي. في هذا الوقت ، ابتكر الفنان الياباني الرائع توري كيناغا ، الذي يصور في الغالب الجمال والعراة اليابانية الرشيقة. بعد عام 1790 ، بدأت اتجاهات وفنانون جدد في الظهور على الساحة الفنية ، ومن بينهم كيتاغاوا أوتامارو ، كاتسوهيكا هوكوساي ، أندو هيروشيغي وأوتاغاوا كونيوشي أصبحوا الأكثر شهرة.

بالنسبة لممثلي مدرسة الفنون الغربية ، لم يعد أسلوب أوكييو-إي الياباني أحد الأساليب الغريبة للرسم فحسب ، بل أصبح مصدرًا حقيقيًا للإلهام واستعارة تفاصيل معينة. استخدم فنانون مثل إدغار ديغا وفينسنت فان جوخ تركيبات أسلوبية مستعارة من ukiyo-e وتصميم المنظور واستخدام الألوان في عملهم. في الفن الغربي ، لم يكن موضوع الطبيعة شائعًا للغاية ، ولكن في اليابان ، تم رسم الطبيعة والحيوانات في كثير من الأحيان ، مما أدى بدوره إلى توسيع نطاق موضوع السادة الغربيين. استخدم الفنان الفرنسي وصانع الزجاج إميل جالي رسومات هوكوساي للأسماك لتزيين مزهرياته.


في عهد الإمبراطور ميجي (1868-1912) وسياسته الموالية للغرب ، أدى أسلوب أوكييو-إي ، المرتبط دائمًا ارتباطًا وثيقًا بالثقافة الوطنية الشعبية ، إلى إبطاء تطورها بشكل كبير وسقط عمليًا في الاضمحلال. ظهرت المزيد والمزيد من الزخارف الغربية في أعمال الفنانين اليابانيين ، وقد أثر أسلوب الفن الأوروبي إلى حد كبير في أعمال الفنانين اليابانيين مثل ماروياما أوكيو ، وماتسومارا جوشون ، وإيتو ياكوشو ، الذين جمعوا بمهارة تقاليد اليابانيين ، الرسم الصيني والغربي في أعمالهم.

اللوحة اليابانية الحديثة

خلال فترة ميجي ، شهدت ثقافة اليابان تحولًا جذريًا: تم إدخال التقنيات الغربية في كل مكان ، ولم تتجاوز هذه العملية الفنون الجميلة. أرسلت الحكومة العديد من الفنانين للدراسة في أوروبا والولايات المتحدة ، وكان هناك صراع ملحوظ إلى حد ما بين الابتكارات الغربية والأساليب اليابانية التقليدية في الثقافة. استمر هذا لعدة عقود ، وفي نهاية المطاف ، خلال فترة تايشو (1912-1926) ، أصبح التأثير الغربي في الفن الياباني سائدًا.

لها تاريخ غني جدا. تقليدها واسع النطاق ، حيث أثر موقع اليابان الفريد في العالم إلى حد كبير على الأساليب والتقنيات المهيمنة للفنانين اليابانيين. الحقيقة المعروفة بأن اليابان كانت معزولة تمامًا منذ قرون لا ترجع فقط إلى الجغرافيا ، ولكن أيضًا إلى النزعة الثقافية اليابانية المهيمنة إلى العزلة التي ميزت تاريخ البلاد. خلال قرون من ما يمكن أن نطلق عليه "الحضارة اليابانية" ، تطورت الثقافة والفن بشكل منفصل عن مثيلاتها في بقية العالم. وهذا ملحوظ حتى في ممارسة الرسم الياباني. على سبيل المثال ، تعد لوحات Nihonga من بين العناصر الأساسية في ممارسة الرسم الياباني. يعتمد على أكثر من ألف عام من التقاليد ، وعادة ما يتم إنشاء اللوحات باستخدام فرش على (الورق الياباني) أو egina (الحرير).

ومع ذلك ، فقد تأثر الفن الياباني والرسم بالممارسات الفنية الأجنبية. أولاً ، كان الفن الصيني في القرن السادس عشر والرسم الصيني وتقاليد الفن الصيني مؤثرين بشكل خاص من نواحٍ عديدة. اعتبارًا من القرن السابع عشر ، تأثر الرسم الياباني أيضًا بالتقاليد الغربية. على وجه الخصوص ، خلال فترة ما قبل الحرب ، والتي استمرت من عام 1868 إلى عام 1945 ، تأثرت اللوحة اليابانية بالانطباعية والرومانسية الأوروبية. في الوقت نفسه ، تأثرت الحركات الفنية الأوروبية الجديدة بشكل كبير بتقنيات الفن الياباني. في تاريخ الفن ، يشار إلى هذا التأثير باسم "اليابان" ، وهو مهم بشكل خاص للانطباعيين والتكعيبات والفنانين المرتبطين بالحداثة.

يمكن النظر إلى التاريخ الطويل للرسم الياباني على أنه توليف للعديد من التقاليد التي تخلق أجزاء من جمالية يابانية معترف بها. أولاً وقبل كل شيء ، تركت أساليب الفن والرسم البوذية ، فضلاً عن الرسم الديني ، علامة بارزة على جماليات اللوحات اليابانية ؛ رسم بالحبر المائي للمناظر الطبيعية في تقليد الرسم الأدبي الصيني - آخر عنصر مهم، المعترف بها في العديد من اللوحات اليابانية الشهيرة ؛ يعتبر رسم الحيوانات والنباتات ، وخاصة الطيور والزهور ، شيئًا مرتبطًا بشكل شائع بالتركيبات اليابانية ، وكذلك المناظر الطبيعية والمشاهد من الحياة اليومية. أخيرًا ، كان للأفكار القديمة عن الجمال من فلسفة وثقافة اليابان القديمة تأثير كبير على الرسم الياباني. لا يزال الوابي ، الذي يعني الجمال العابر والقاسي ، سابي (جمال الزنجار الطبيعي والشيخوخة) ويوجين (النعمة والبراعة العميقة) يؤثران على المثل العليا في ممارسة الرسم الياباني.

أخيرًا ، إذا ركزنا على اختيار أشهر عشر روائع يابانية ، فيجب أن نذكر ukiyo-e ، وهو أحد أكثر أنواع الفن شيوعًا في اليابان ، على الرغم من أنه ينتمي إلى صناعة الطباعة. سيطر الفن الياباني من القرن السابع عشر إلى القرن التاسع عشر ، حيث قام فنانين ينتمون إلى هذا النوع بإنتاج نقوش خشبية ولوحات لموضوعات مثل الفتيات الجميلاتوممثلو الكابوكي ومصارعو السومو ، بالإضافة إلى مشاهد من التاريخ والحكايات الشعبية ومشاهد السفر والمناظر الطبيعية والنباتات والحيوانات وحتى الشبقية.

من الصعب دائمًا إعداد قائمة بأفضل اللوحات من التقاليد الفنية. سيتم استبعاد العديد من الأعمال الرائعة ؛ ومع ذلك ، تضم هذه القائمة عشرة من أكثر اللوحات اليابانية شهرة في العالم. ستعرض هذه المقالة فقط اللوحات التي تم إنشاؤها من القرن التاسع عشر حتى يومنا هذا.

اللوحة اليابانية لها تاريخ غني للغاية. على مر القرون ، طور الفنانون اليابانيون عددًا كبيرًا من التقنيات والأساليب الفريدة التي تعد أكثر مساهمة اليابان قيمة في عالم الفن. إحدى هذه التقنيات هي Sumi-e. تعني كلمة Sumi-e حرفيًا "الرسم بالحبر" ، حيث تجمع بين الخط والرسم بالحبر لخلق جمال نادر للتركيبات المرسومة بالفرشاة. هذا الجمال متناقض - قديم ولكنه حديث ، بسيط ولكنه معقد ، جريء ولكنه خافت ، مما لا شك فيه أنه يعكس الأساس الروحي للفن في بوذية زن. جلب الكهنة البوذيون كتلة الحبر الصلب وفرشاة الخيزران إلى اليابان من الصين في القرن السادس ، وعلى مدار الـ 14 قرنًا الماضية ، طورت اليابان تراثًا غنيًا للرسم بالحبر.

قم بالتمرير لأسفل وشاهد 10 روائع للرسم الياباني



1 - كاتسوشيكا هوكوساي "حلم زوجة الصياد"

واحدة من أكثر اللوحات اليابانية شهرة هو حلم زوجة الصياد. رسمه الفنان الشهير هوكوساي عام 1814. من خلال التعريفات الصارمة ، لا يمكن اعتبار هذا العمل المذهل لهوكوساي لوحة ، لأنه نقش خشبي من أوكييو-إي من Young Pines (Kinoe no Komatsu) ، وهو كتاب شونجا من ثلاثة مجلدات. يصور التكوين غواصًا شابًا متشابكًا جنسيًا مع زوج من الأخطبوطات. كانت هذه الصورة مؤثرة للغاية في القرنين التاسع عشر والعشرين. أثر العمل في الفنانين اللاحقين مثل فيليسين روبس وأوغست رودين ولويس أوكوك وفرناند خنوبف وبابلو بيكاسو.


2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro يكتب قصيدة حنين أثناء مشاهدة القمر"

تيساي توميوكا هو الاسم المستعار لفنان وخطاط ياباني مشهور. يُعد آخر فنان رئيسي في تقليد Bunjing وأحد الفنانين الرئيسيين الأوائل في أسلوب Nihonga. كانت بونجينغا مدرسة للرسم الياباني ازدهرت خلال أواخر فترة إيدو بين الفنانين الذين اعتبروا أنفسهم أدباء أو مثقفين. طور كل من هؤلاء الفنانين ، بما في ذلك تيسايا ، أسلوبهم وتقنيتهم ​​الخاصة ، لكنهم كانوا جميعًا من كبار المعجبين بالفن والثقافة الصينية.

3. Fujishima Takeji "شروق الشمس فوق البحر الشرقي"

كان فوجيشيما تاكيجي فنانًا يابانيًا معروفًا بعمله في تطوير الرومانسية والانطباعية في حركة اليوغا (النمط الغربي) الفنية في أواخر القرن التاسع عشر وأوائل القرن العشرين. في عام 1905 سافر إلى فرنسا ، حيث تأثر بالحركات الفرنسية في ذلك الوقت ، وخاصة الانطباعية ، كما يتضح من رسمه عام 1932 شروق الشمس فوق البحر الشرقي.

4. Kitagawa Utamaro "عشرة أنواع من الوجوه الأنثوية ، مجموعة من الجمال المهيمن"

كان كيتاغاوا أوتامارو فنانًا يابانيًا بارزًا ولد عام 1753 وتوفي عام 1806. اشتهر إلى حد بعيد بسلسلة تسمى عشرة أنواع من وجوه النساء. مجموعة من الجمال الحاكمة ، موضوعات حب رائعة من الشعر الكلاسيكي (تسمى أحيانًا "النساء في الحب" ، وتحتوي على نقوش منفصلة "الحب العاري" و "الحب المتأمل"). إنه أحد أهم الفنانين الذين ينتمون إلى نوع النقش الخشبي أوكييو-إي.


5 - Kawanabe Kyosai "Tiger"

كان Kawanabe Kyosai أحد أشهر الفنانين اليابانيين في فترة Edo. تأثر فنه ب Tohaku ، رسام كانو من القرن السادس عشر والذي كان الرسام الوحيد في عصره الذي رسم الشاشات بالكامل بالحبر على خلفية دقيقة من مسحوق الذهب. على الرغم من أن كيوساي معروف بكونه رسامًا كاريكاتيرًا ، إلا أنه أنتج بعضًا من أشهر اللوحات في تاريخ الفن الياباني في القرن التاسع عشر. "النمر" هي واحدة من تلك اللوحات التي استخدمها كيوساي في رسم الألوان المائية والحبر.



6. هيروشي يوشيدا فوجي من بحيرة كاواجوتشي

يُعرف هيروشي يوشيدا بأنه أحد الشخصيات الرئيسية في أسلوب شين هانغا (شين هانغا هي حركة فنية في اليابان في بداية القرن العشرين ، خلال فترتي تايشو وشوا ، والتي أعادت إحياء فن أوكييو-إي التقليدي. ، والتي ترسخت في فترات إيدو وميجي (القرنين السابع عشر والتاسع عشر)). تدرب على تقليد الرسم الزيتي الغربي ، والذي تم تبنيه في اليابان خلال فترة ميجي.

7 - تاكاشي موراكامي "727"

ربما يكون تاكاشي موراكامي أشهر فنان ياباني في عصرنا. تُباع أعماله بأسعار فلكية في المزادات الكبرى ، وأعماله تلهم بالفعل أجيالًا جديدة من الفنانين ليس فقط في اليابان ولكن أيضًا في الخارج. يشتمل فن موراكامي على مجموعة من الوسائط وعادة ما يوصف بأنه فائق التسطح. اشتهرت أعماله باستخدامه للون ، ودمج زخارف من الثقافة اليابانية التقليدية والشعبية. غالبًا ما يوصف محتوى لوحاته بأنه "لطيف" أو "مخدر" أو "ساخر".


8 - يايوي كوساما "القرع"

Yaoi Kusama هو أيضًا أحد أشهر الفنانين اليابانيين. تعمل في مجموعة متنوعة من الوسائط ، بما في ذلك الرسم ، والكولاج ، والنحت الخشن ، وفن الأداء ، والفن البيئي ، والتركيب ، والتي يُظهر معظمها اهتمامها الموضوعي بالألوان المخدرة ، والتكرار ، والنمط. واحدة من أشهر المسلسلات لهذا الفنان العظيم هي سلسلة Pumpkin. ويظهر القرع المنتظم المنقّط باللون الأصفر الفاتح مقابل شبكة. تشكل كل هذه العناصر معًا لغة بصرية لا لبس فيها في أسلوب الفنان ، وقد تم تطويرها وصقلها على مدى عقود من العمل الشاق والتكاثر.


9. Tenmyoya Hisashi "الروح اليابانية رقم 14"

Tenmyoya Hisashi هو فنان ياباني معاصر معروف بلوحاته النيو نيهونغا. شارك في إحياء التقليد القديم للرسم الياباني ، وهو عكس الرسم الياباني الحديث تمامًا. في عام 2000 ، ابتكر أيضًا أسلوبه الجديد ، بوحة ، والذي يظهر موقفًا ثابتًا تجاه نظام فني موثوق من خلال لوحاته. تم إنشاء "الروح اليابانية رقم 14" كجزء من مخطط "BASARA" الفني ، الذي تم تفسيره في الثقافة اليابانية على أنه السلوك المتمرد للطبقة الأرستقراطية الدنيا خلال فترة الدول المتحاربة ، وذلك من أجل حرمان السلطات من القدرة على تحقيق المثل الأعلى. نمط الحياة من خلال ارتداء الملابس الفاخرة والفاخرة والتصرف بحرية. الإرادة التي لا تتوافق مع طبقتهم الاجتماعية.


10 - كاتسوشيكا هوكوساي "الموجة العظيمة قبالة كاناغاوا"

أخيرًا ، ربما تكون The Great Wave off Kanagawa هي اللوحة اليابانية الأكثر شهرة على الإطلاق. هذه في الواقع أشهر قطعة فنية تم إنشاؤها في اليابان. وهي تصور أمواجًا ضخمة تهدد القوارب قبالة ساحل محافظة كاناغاوا. على الرغم من أن الموجة في بعض الأحيان مخطئة بسبب تسونامي ، إلا أن الموجة ، كما يوحي اسم اللوحة ، لها على الأرجح ارتفاع مرتفع بشكل غير طبيعي. اللوحة مصنوعة وفق تقليد أوكييو-إي.



من: ، & nbsp14967 مشاهدة
- نضم الان!

اسمك:
تعليق:

الرسم الياباني هو اتجاه فريد من نوعه في الفن العالمي. إنه موجود منذ العصور القديمة ، ولكن كتقليد لم يفقد شعبيته وقدرته على المفاجأة.

الاهتمام بالتقاليد

الشرق ليس فقط المناظر الطبيعية والجبال والشمس المشرقة. هؤلاء هم أيضًا الأشخاص الذين صنعوا تاريخها. هؤلاء الأشخاص هم الذين حافظوا على تقليد الرسم الياباني لقرون عديدة ، وطوروا وضاعفوا فنهم. أولئك الذين قدموا مساهمة كبيرة في تاريخ الفنانين اليابانيين. بفضلهم احتفظت اللوحات الحديثة بجميع شرائع الرسم الياباني التقليدي.

أسلوب الرسم

على عكس أوروبا ، فضل الفنانون اليابانيون الرسم بشكل أقرب إلى الرسومات بدلاً من الرسم. في مثل هذه اللوحات ، لن تجد ضربات زيتية خشنة ومهملة ، وهي سمة مميزة للانطباعيين. ما هي الطبيعة الرسومية لمثل هذا الفن مثل الأشجار اليابانية والصخور والحيوانات والطيور - كل شيء في هذه الصور مرسوم بوضوح قدر الإمكان ، بخطوط حبر ثابتة وواثقة. يجب أن تحتوي جميع الكائنات في التكوين على مخطط تفصيلي. عادة ما يتم الحشو داخل الكفاف بالألوان المائية. يغسل اللون ، وتضاف ظلال أخرى ، ويترك لون الورق في مكان ما. الزخرفة هي بالضبط ما يميز اللوحات اليابانية عن فن العالم بأسره.

التناقضات في الرسم

التباين هو تقنية مميزة أخرى يستخدمها الفنانون اليابانيون. قد يكون هذا اختلافًا في الدرجة أو اللون أو تباينًا بين الظلال الدافئة والباردة.

يلجأ الفنان إلى تقنية عندما يريد إبراز بعض عناصر الموضوع. يمكن أن يكون وريدًا على نبات أو بتلة واحدة أو جذع شجرة مقابل السماء. ثم يتم تصوير الجزء المضيء من الكائن والظل الموجود تحته (أو العكس).

التحولات والألوان

عند رسم اللوحات اليابانية ، غالبًا ما تستخدم التحولات. إنها مختلفة: على سبيل المثال ، من لون إلى آخر. على بتلات زنابق الماء والفاوانيا ، يمكنك ملاحظة الانتقال من الظل الفاتح إلى الظل الغني والمشرق من بعض الألوان.

أيضًا ، يتم استخدام التحولات في صورة سطح الماء ، السماء. يبدو الانتقال السلس من غروب الشمس إلى الظلام ، وتعميق الشفق جميلًا جدًا. في رسم السحب ، يتم أيضًا استخدام انتقالات من ظلال وانعكاسات مختلفة.

الدوافع الرئيسية للرسم الياباني

في الفن ، كل شيء مرتبط بـ الحياه الحقيقيهبمشاعر وعواطف المنخرطين فيها. كما هو الحال في الأدب والموسيقى ومظاهر الإبداع الأخرى ، هناك العديد من الموضوعات الأبدية في الرسم. هذه مؤامرات تاريخية وصور للناس والطبيعة.

المناظر الطبيعية اليابانية متنوعة. غالبًا ما توجد في اللوحات صور للبرك - موضوع مفضل للداخلية اليابانية. بركة زخرفية والعديد من زنابق الماء وخيزران في مكان قريب - هذا ما تبدو عليه لوحة نموذجية من القرن السابع عشر إلى الثامن عشر.

الحيوانات في الرسم الياباني

الحيوانات هي أيضًا عنصر متكرر في الرسم الآسيوي. تقليديا ، هو نمر رابض أو قطة منزلية. بشكل عام ، الآسيويون مغرمون جدًا ، وبالتالي فإن ممثليهم موجودون في جميع أشكال الفن الشرقي.

عالم الحيوانات هو موضوع آخر تتبعه الرسم الياباني. تم العثور على الطيور - الرافعات ، والببغاوات المزخرفة ، والطاووس الفاخر ، والسنونو ، والعصافير غير الواضحة وحتى الديوك - كلهم ​​في رسومات السادة الشرقيين.

السمك موضوع ساخن بنفس القدر للفنانين اليابانيين. Koi هي النسخة اليابانية من السمكة الذهبية. تعيش هذه المخلوقات في آسيا في جميع البرك ، حتى المنتزهات والحدائق الصغيرة. Koi carp هو نوع من التقاليد التي تنتمي على وجه التحديد إلى اليابان. هذه الأسماك ترمز إلى النضال والتصميم وتحقيق هدف المرء. لا عجب في تصويرها على أنها تطفو مع التيار ، دائمًا بقمم موجية مزخرفة.

اللوحات اليابانية: تصوير الناس

الناس في الرسم الياباني هم موضوع خاص. صور الفنانون الجيشا والأباطرة والمحاربين والشيوخ.

تُصوَّر الغيشا محاطة بالزهور ، وترتدي دائمًا أردية مزخرفة بها العديد من الطيات والعناصر.

يصور الحكماء وهم جالسون أو يشرحون شيئًا لطلابهم. صورة العالم القديم هي رمز لتاريخ وثقافة وفلسفة آسيا.

تم تصوير المحارب على أنه هائل ، وأحيانًا مرعب. تم رسم الأجزاء الطويلة بالتفصيل وشكلها سلك.

عادة ما يتم صقل كل تفاصيل الدرع بالحبر. في كثير من الأحيان ، يتم تزيين المحاربين العراة بالوشم الذي يصور تنينًا شرقيًا. إنه رمز القوة والقوة العسكرية لليابان.

تم تصوير الحكام للعائلات الإمبراطورية. أردية جميلة ، وزخارف في شعر الرجال - أن مثل هذه الأعمال الفنية تكثر.

المناظر الطبيعية

المناظر الطبيعية اليابانية التقليدية - الجبال. نجح الرسامون الآسيويون في تصوير مجموعة متنوعة من المناظر الطبيعية: يمكنهم تصوير نفس القمة بألوان مختلفة وأجواء مختلفة. الشيء الوحيد الذي لم يتغير هو الوجود الإلزامي للزهور. عادة ، جنبًا إلى جنب مع الجبال ، يصور الفنان نوعًا من النباتات في المقدمة ويرسمها بالتفصيل. تبدو الجبال وأزهار الكرز جميلة. وإذا قمت برسم بتلات متساقطة - فإن الصورة تعجب بها الجمال الحزين. التباين في جو اللوحة هو سمة أخرى رائعة للثقافة اليابانية.

الهيروغليفية

غالبًا ما يتم الجمع بين تكوين الصورة في الرسم الياباني والحروف. تم ترتيب الحروف الهيروغليفية بحيث تبدو جميلة من الناحية التركيبية. عادة ما يتم رسمها على يسار أو يمين الصورة. يمكن أن تشير الكتابة الهيروغليفية إلى ما تم تصويره في الصورة أو اسمها أو اسم الفنان.

اليابان هي واحدة من أغنى الدول في التاريخ والثقافة. في جميع أنحاء العالم ، من المعتاد مراعاة اليابانيين الناس المتحذلقالذين يجدون الجماليات في جميع مظاهر الحياة. لذلك ، دائمًا ما تكون اللوحات اليابانية متناغمة للغاية من حيث اللون والنغمة: إذا كانت هناك شوائب من بعض الألوان الزاهية ، فعندئذٍ فقط في المراكز الدلالية. في مثال اللوحات التي رسمها فنانون آسيويون ، يمكن دراسة نظرية الألوان ، والنقل الصحيح للشكل باستخدام الرسومات والتكوين. إن تقنية تنفيذ اللوحات اليابانية عالية جدًا بحيث يمكن أن تكون بمثابة مثال للعمل بالألوان المائية وأداء "غسل" الأعمال الرسومية.

تاريخ النشر: 25 سبتمبر 2008

اللوحة اليابانية

اللوحة اليابانية- أحد أقدم وأشهر أشكال الفنون الجميلة في اليابان ، ويغطي مجموعة واسعة من الأنواع والأنماط. مثل تاريخ الفنون الجميلة اليابانية بشكل عام ، فإن تاريخ الرسم الياباني هو رحلة طويلة من التنافس والتشابك بين المبادئ اليابانية الأصلية وتكييف الأفكار الأجنبية.

اليابان القديمة

ظهرت اللوحة في اليابان في أقدم فترة من تاريخ البلاد. تم العثور على تصميمات بسيطة وتصميمات هندسية على الفخار من فترة جومون وأجراس دوتاكو البرونزية من فترة Yayoi (300 قبل الميلاد - 300 بعد الميلاد). تم العثور على لوحات جدارية ذات تركيبات هندسية وتصويرية في العديد من الخبايا من فترة Kofun (300-700 م).
مع اعتماد النص الصيني (كانجي) ، النموذج الصيني للحكومة البوذية خلال فترة أسوكا ، أتت العديد من اللوحات من الصين إلى اليابان ، وبدأت تظهر الأعمال المحلية بنفس الأسلوب.

يمكن تمييز الفترات التاريخية التالية للرسم الياباني:

لوحة جدارية في قبر تاكاماتسوزوكا

فترة نارا

مع انتشار البوذية في اليابان في القرنين السادس والسابع. بدأت تزدهر صورة الصور الدينية على جدران المعابد التي أقامها ممثلو الطبقات الحاكمة. ومع ذلك ، فإن فترة نارا تتميز بفن النحت أكثر من الرسم.

تضم أقدم اللوحات الباقية من هذه الفترة لوحات على جدران معبد Horyu-ji في إيكاروغا بمحافظة نارا ، تصور حلقات من حياة بوذا ، بوديساتفاس ، وبعض الآلهة الأخرى. من حيث الأسلوب ، فهي تذكرنا باللوحات الصينية من عهد أسرة سوي أو أواخر فترة الممالك الستة عشر. ومع ذلك ، بحلول منتصف فترة نارا ، أصبحت الصور بأسلوب أسرة تانغ (تانغ) شائعة. وتشمل اللوحات الجدارية في مقبرة تاكاماتسوزوكا التي يعود تاريخها إلى 700 قبل الميلاد. إعلان. أصبح هذا النمط أساسًا لنوع Kara-i ، الذي ظل شائعًا خلال فترة Heian المبكرة.

نظرًا لأن معظم اللوحات من فترة نارا دينية ، فقد كان معظم الفنانين مجهولين. توجد مجموعة كبيرة من الأعمال الفنية من فترة نارا في Shosoin Vault ، التي كانت مملوكة سابقًا لـ Todai-ji ولكن الآن تسيطر عليها وكالة القصر الإمبراطوري.

فترات هيان وكاماكورا

مع تطور الطوائف البوذية السرية لشينغون وتينداي في اليابان في القرنين الثامن والتاسع ، بدأت اللوحات الدينية بالهيمنة ، وغالبًا ما تصور ماندالا. تم إنشاء إصدارات لا حصر لها من Mandala ، وخاصة Diamond World Mandala و Hidden World Mandala ، على لفات وعلى جدران المعابد. أقدم مثال على ذلك موجود في معبد دايجو-جي باغودا المكون من خمس طبقات ، وهو معبد في شمال كيوتو.

مع التطور المستمر للبوذية في اليابان نحو حركة "الأرض النقية" الجديدة لطائفة الجودو في القرن العاشر ، تمت إضافة نوع جديد مهم إلى الرسم: رايجوزو ، التي تصور لقاء بوذا أميدا لأرواح المؤمنين في جنتهم الغربية. يرجع تاريخ أقدم هذه الصورة إلى عام 1053 وتقع في Byodo-in ، معبد Uji في كيوتو. تعتبر هذه اللوحة أيضًا أقدم مثال على أسلوب رسم ياماتو-إي الياباني ، والذي يصور المنطقة المحيطة بمدينة كيوتو.

مع تطور الطوائف البوذية السرية لشينغون وتينداي في اليابان في القرنين الثامن والتاسع ، بدأت اللوحات الدينية بالهيمنة ، وغالبًا ما تصور ماندالا. تم إنشاء إصدارات لا حصر لها من Mandala ، وخاصة Diamond World Mandala و Hidden World Mandala ، على لفات وعلى جدران المعابد. أقدم مثال على ذلك موجود في معبد دايجو-جي باغودا المكون من خمس طبقات ، وهو معبد في شمال كيوتو. مع التطور المستمر للبوذية في اليابان نحو حركة "الأرض النقية" الجديدة لطائفة الجودو في القرن العاشر ، تمت إضافة نوع جديد مهم إلى الرسم: رايجوزو ، التي تصور لقاء بوذا أميدا لأرواح المؤمنين في جنتهم الغربية. يرجع تاريخ أقدم هذه الصورة إلى عام 1053 وتقع في Byodo-in ، معبد Uji في كيوتو. تعتبر هذه اللوحة أيضًا أقدم مثال على أسلوب رسم ياماتو-إي الياباني ، والذي يصور المنطقة المحيطة بمدينة كيوتو.

رسم توضيحي من التمرير "حكاية جينجي" (جزء)

بحلول منتصف فترة هييان ، فقد النمط الصيني لرسم kara-i الاتصال بـ yamato-i ، والذي كان يستخدم في الأصل لطلاء الأبواب المنزلقة والشاشات القابلة للطي. ومع ذلك ، بدأ استخدام yamato-i في وقت لاحق بطرق أخرى (خاصة في نهاية فترة Heian) ، على سبيل المثال ، في لفائف emakimono (emakimono). اشتملت Emakimono على أعمال خيالية مصورة (مثل Genji Monogatari) ، وقصص تاريخية (مثل Ben Dainagon Ekotoba) وسجلات دينية. طور Artists i-maki (E-maki) نظامًا للرسومات الشرطية التي تنقل بصريًا المحتوى العاطفي لكل مشهد. ينقسم عمل Genji Monogatari إلى حلقات صغيرة ، بينما يستخدم Ban Dainogon Ekotoba الأكثر إشراقًا رسمًا توضيحيًا طويلًا وشاملًا يصور الشخصيات المتحركة ، مرسومًا بضربات فرشاة سريعة ، بألوان ناعمة ولكن متناقضة. يعد حصار قصر سانجو مثالًا مشهورًا آخر على هذا الأسلوب.

آي-ماكي هي أيضًا من بين أقدم الأمثلة وأكثرها روعة على أنماط الرسم على otoko-i (otoko-e ، اللوحات الذكورية) و onna-i (onna-e ، اللوحات الأنثوية). هناك العديد من الاختلافات الهامة بين هذه الأنماط ، ناتجة عن اختلاف التفضيلات الجمالية بين الجنسين. لكن ربما تكون الاختلافات في الموضوعات هي الأكثر وضوحًا. عادةً ما يصور أسلوب onna-i الموجود في لفيفة "Tale of Genji" حياة المحكمة ، وغالبًا ما يصور حياة سيدات البلاط والمشاهد الرومانسية. على العكس من ذلك ، كان أسلوب otoko-i يستخدم بشكل شائع لتصوير الأحداث التاريخية ، والمعارك الأكثر شيوعًا.

استمرت هذه الأنماط في الوجود خلال فترة كاماكورا (كاماكورا ، 1180-1333). استمر إنشاء I-maki من مختلف الأنواع ؛ ومع ذلك ، فإن فترة كاماكورا تتميز بفن النحت أكثر من الرسم.

نظرًا لأن معظم اللوحات في فترتي هييان وكاماكورا دينية ، فقد كان الفنانون في أغلب الأحيان مجهولين.

فترة موروماتشي

لوحة "باينز" هاسيغاوا تهاكو (هاسيغاوا توهاكو)

"المناظر الطبيعية" لسشو تويو

كان لتطوير أديرة زن في كاماكورا وكيوتو في القرن الرابع عشر تأثير كبير على الفنون البصرية. Suibokuga ، وهو أسلوب أحادي اللون صارم للرسم باستخدام الحبر الذي ظهر خلال سلالتي Sung و Yuan في الصين ، قد حل إلى حد كبير محل الرسوم التوضيحية متعددة الألوان في الفترة السابقة ، على الرغم من بقاء البورتريه متعدد الألوان ، بشكل رئيسي في شكل "chinso" (chinso ) لوحات لرهبان الزن. مثال نموذجيهذه اللوحة هي تصوير للكاهن-الفنان كاو (كاو) للراهب الأسطوري كينسو (كينسو ، باللغة الصينية - هسين-تسو (هسين-تزو)) في اللحظة التي حقق فيها التنوير. تم عمل هذه اللوحات بضربات سريعة للفرشاة وتم تفصيلها بأدنى حد.

تمثل لوحة "اصطياد سمك السلور مع القرع" للكاهن والفنان جوزيتسو في معبد تايزو إن بمنطقة ميوشين-جي في كيوتو ، نقطة تحول في لوحة فترة موروماتشي. يظهر في المقدمة رجل على ضفة مجرى مائي يحمل بذرة قرع صغيرة وينظر إلى سمكة قرموط كبيرة زلقة. الجزء الأوسط من المناظر الطبيعية يكتنفه الضباب ، والجبال مرسومة في الخلفية ، وهي في المسافة. يُعتقد أن "النمط الجديد" للرسم ، الذي ظهر في اليابان حوالي عام 1413 ، يتميز بتصوير المساحات الواسعة ، وهو ما كان من سمات الرسم الصيني لتلك الفترة.

بحلول نهاية القرن الرابع عشر ، كانت المناظر الطبيعية أحادية اللون (sansuiga) مفضلة من قبل عائلة Ashikaga الحاكمة وأصبحت النوع المفضل بين فناني Zen ، حيث ابتعدوا تدريجياً عن جذورهم الصينية واكتسبوا الخصائص اليابانية.

أشهر الرسامين في فترة موروماتشي هم الرسامون الكاهن شوبون (شوبون) وسيشو (سيسو). شوبون ، راهب في دير شوكوكو-جي في كيوتو ، رسم "القراءة في بستان الخيزران" ، منظر طبيعي واقعي بمساحة عميقة. على عكس معظم الفنانين في تلك الفترة ، أتيحت لسشو فرصة السفر إلى الصين ودراسة الرسم الصيني في وطنها. واحدة من أفضل لوحاته هي "The Long Scroll" (The Long Handscroll) ، التي تصور الفصول الأربعة في منظر طبيعي واحد كبير.

في نهاية فترة موروماتشي ، خرج الرسم بالحبر من أديرة زن إلى العالم الفني: تبنى رسامو مدرستي كانو وآمي الأسلوب والموضوعات ، لكنهم أدخلوا المزيد من التأثيرات البلاستيكية الزخرفية ؛ في هذا الشكل النمط موجود في عصرنا.

فنانون يابانيون بارزون في فترة موروماتشي:

  • موكي (حوالي 1250)
  • موكوان رين (1345)
  • كاو نينجا (أوائل القرن الرابع عشر)
  • مينشو (مينشو) (1352-1431)
  • جوزيتسو (1405-1423)
  • تينشو شبون (1460)
  • سيسشو تويو (1420-1506)
  • كانو ماسانوبو (1434-1530)
  • كانو ماتونوبو (1476-1559)

فترة أزوتشي موموياما

جزء من رسم على شاشة تصور وصول سفينة من الغرب ، فن. كانو نيزين (1570-1616).

على عكس فترة Muromachi السابقة ، تتميز فترة Azuchi-Momoyama بظهور أسلوب رائع متعدد الألوان ، واستخدام مكثف لرقائق الذهب والفضة ، والأعمال واسعة النطاق للغاية. تلقت مدرسة كانو رعاية Oda Nobunaga و Toyotomi Hideyoshi و Tokugawa Ieyasu وأتباعهم ، ونما حجمها ومكانتها بشكل كبير. طور كانو إيتوكو طريقة لتصوير المناظر الطبيعية الفخمة على أبواب منزلقة تحيط بالغرف. كان من المفترض أن تزين هذه الشاشات الضخمة واللوحات الجدارية منازل وقصور النبلاء العسكريين. تم الاحتفاظ بنفس التعيين من قبلهم في فترة إيدو اللاحقة ، عندما استمر شوغون توكوغاوا في الترويج لأعمال مدرسة كانو كشكل من الفنون الجميلة المعتمد رسميًا لشوغون ، واللوردات الإقطاعيين (دايميو) والمحكمة الإمبراطورية.

ومع ذلك ، خلال فترة Azuchi-Momoyama ، كان هناك فنانون واتجاهات في الرسم لا علاقة لها بمدرسة كانو ؛ تبنوا موضوعات صينية وطبقوها باستخدام التقاليد اليابانية. كانت إحدى المجموعات المهمة من الفنانين هي مدرسة توسا ، التي استخدمت تقليد ياماتو-آي وكانت معروفة بشكل أساسي بالأعمال الصغيرة والرسوم التوضيحية للكلاسيكيات الأدبية في الكتب أو إيماكي.

فنانون يابانيون بارزون في فترة أزوتشي موموياما:

  • كانو إيتوكو (1543-1590)
  • كانو سانراكو (1559-1663)
  • كانو تانيو (1602-1674)
  • هاسيغاوا تهاكو (1539-1610)
  • كيهو يوشو (1533-1615)

فترة إيدو (إيدو)

يعتبر العديد من علماء تاريخ الفنون الجميلة أن فترة إيدو كانت امتدادًا لفترة أزوتشي-موموياما. بالطبع ، في بداية فترة إيدو ، ظل العديد من اتجاهات الرسم السابقة رائجة ؛ ومع ذلك ، ظهرت اتجاهات جديدة أيضًا.

نقش بوديهارما التمرير: "زين تضرب قلب شخص ما ، انظر إلى عالمك الداخلي وتصبح بوذا" ، هاكوين إيكاكو (من 1685 إلى 1768)

إله الرياح بواسطة أوغاتا كورين

واحدة من المدارس الهامة التي ظهرت في بداية فترة إيدو هي مدرسة ريمباالذي استخدم القصص الكلاسيكية ولكن قدمها بتنسيق جريء وحيوي. طور الفنان Sōtatsu أسلوبًا زخرفيًا للرسم ، وأعاد إنشاء موضوعات من الأدب الكلاسيكي باستخدام شخصيات مرسومة ببراعة ومشاهد طبيعية موضوعة على خلفيات مذهبة. بعد قرن من الزمان ، أعاد الفنان كورين صياغة أسلوب Sotatsu وخلق لوحات رائعة بأسلوبه الخاص.

نوع آخر مهم ظهر في فترة Azuchi-Momoyama، لكنها بلغت ذروتها في بداية فترة إيدو - نامبان (نامبان) ، التي صورت الأجانب الغريبة واستخدمت أسلوبًا أجنبيًا غريبًا للفنون الجميلة. كان مركز هذا النوع هو مدينة ناغازاكي الساحلية (ناغازاكي) ، والتي أصبحت ، بعد تطبيق سياسة العزلة من قبل شوغون توكوغاوا ، الميناء الياباني الوحيد الذي حصل على إذن بالتجارة مع الدول الأجنبية ؛ أصبحت ناغازاكي الطريق الوحيد للتأثيرات الفنية الصينية والأوروبية لدخول اليابان. تشمل الأمثلة على هذا النوع عمل مدرسة Nagasaki ، بالإضافة إلى العمل مدرسة ماروياما شيجو (ماروياما شيجو)التي جمعت بين التأثيرات الصينية والأوروبية والعناصر اليابانية التقليدية.

الاتجاه الرئيسي الثالث في فترة إيدو هو ظهور هذا النوع بونجينجا(بونجينجا ، الرسوم التوضيحية للأعمال الأدبية) ، والمعروفة أيضًا باسم مدرسة نانجا (نانجا ، المدرسة الجنوبية للرسم). في البداية ، كان هذا النوع تقليدًا لعمل فنانين هواة صينيين خلال عهد أسرة يوان ، الذين وصلت أعمالهم وتقنياتهم إلى اليابان في منتصف القرن الثامن عشر. في وقت لاحق ، قام الفنانون العاملون في أسلوب البنجينغ بتعديل كل من تقنيات ومؤامرات هذا النوع ، وخلقوا مزيجًا من الأساليب اليابانية والصينية. عمل فنانون مثل Ike no Taiga و Uragami Gyokudo و Yosa Buson و Tanomura Chikuden و Tani Buncho و Yamamoto Baiitsu في هذا الأسلوب).

بسبب السياسات المالية والاجتماعية الصارمة لشوغون توكوجاوا ، اقتصرت الأعمال باهظة الثمن لهذه الأنواع والأساليب على الطبقات العليا من المجتمع ولا يمكن الوصول إليها ، بل ممنوعة ، للطبقات الدنيا. طور عامة الناس نوعًا بديلاً من الرسم - fuzokuga (fuzokuga) ، والذي يصور مشاهد بسيطة للحياة اليومية للناس العاديين. كانت صور مسرح الكابوكي والبغايا والمناظر الطبيعية شائعة. في القرن السادس عشر ، أدت هذه اللوحات إلى ظهور مطبوعات خشبية ، أو ukiyoe ، والتي كانت الوسيلة الرئيسية للمعلومات المكتوبة في منتصف وأواخر فترة إيدو.

فنانون يابانيون بارزون في فترة إيدو:

  • Tawaraya Sōtatsu (1643)
  • أوغاتا كورين (1658-1716)
  • ماروياما أوكيو (ماروياما أوكيو ، 1733-1795)
  • ماتسومورا جوشون (1752-1811)
  • ايتو ياكوتشو (1716-1800)
  • جيون نينكي (جيون نانكاي ، 1677-1751)
  • ساكاكي هياكوسين (1697-1752)
  • ياناجيساوا كين (1704-1758)
  • آيك نو تايغا (1723-1776)
  • يوسا بوسون (1716-1783)
  • أوراغامي جيوكودو (أوراغامي جيوكودو ، 1745-1820)
  • أوكادا بيسانجين (1744-1820)
  • كاتسوشيكا هوكوساي (1760-1849)
  • تاني بانشو (1763-1840)
  • تانومورا شيكودين (1777-1835)
  • ياماموتو باييتسو (1783-1856)
  • واتانابي كازان (1793-1841)
  • شيباتا زشين (1807-1891)
  • توميوكا تيساي (1836-1924)

فترة ميجي

كورودا سيكي ، ليكسايد ، 1897 ، زيت على قماش ، يقع في قاعة كورودا التذكارية ، طوكيو

خلال فترة ميجي ، شهدت اليابان تغييرات سياسية واجتماعية هائلة كجزء من حملة التغريب والتحديث التي أطلقتها الحكومة الجديدة. تميزت هذه الفترة بتقسيم الفنون البصرية في اليابان إلى أساليب غربية وتقليدية متنافسة.

أسلوب الرسم الغربي (اليوغا ، يوجا)بدعم رسمي من الحكومة: تم إرسال الفنانين الشباب الواعدين للدراسة في الخارج ، وتم تعيين فنانين أجانب لتدريس دروس في المدارس اليابانية.

ومع ذلك ، بعد الشعبية الأولية للنمط الغربي ، تأرجح البندول في الاتجاه الآخر ، وبقيادة الناقد أوكاكورا كاكوزو والمعلم إرنست فينولوسا ، كان هناك عودة في قبول الأساليب اليابانية التقليدية. في عام 1880 ، تم حظر النمط الغربي من العرض في المعارض الرسمية ، وتعرض لانتقادات شديدة. بدعم من Okakura و Fenollosa ، تطور أسلوب Nihonga تحت تأثير الحركات الأوروبية قبل رافائيل والرومانسية الأوروبية.

تشكل فناني أسلوب اليوجا ميجي بيجوسوكاي(Meiji Bijutsukai ، Meiji Fine Arts Society) لإقامة معارضهم الخاصة وإيقاظ الاهتمام بالرسم الغربي.

لوحة "يوريتومو في كهف" (يوريتومو في كهف) ، فن. مايدا سيسون

في عام 1907 ، مع إنشاء معرض بونتين تحت رعاية وزارة التعليم ، وجدت كلتا المجموعتين المتنافستين قبولًا ضمنيًا وبدأت في التعايش وحتى الاتحاد.

مشاهير الفنانين اليابانيين في فترة ميجي:

  • هارادا ناوجيرو (1863-1899)
  • ياماموتو هوسوي (1850-1906)
  • أساي تشو (1856-1907)
  • كانو هوغاي (كانو هوغاي ، 1828-1888)
  • هاشيموتو غاهو (1835-1908)
  • كورودا سيكي (1866-1924)
  • وادا إيساكو (1874-1959)
  • أوكادا سابوروسوكي (1869-1939)
  • ساكاساموتو هانجيرو (1882-1962)
  • أوكي شيغيرو (أوكي شيغيرو ، 1882-1911)
  • Fujishima Takeji (Fujishima Takeji ، 1867-1943)
  • كاواي جيوكودو (1873-1957 كاواي جيوكودو)
  • تاكيوتشي سيهو (1864-1942)
  • توميوكا تيساي (1837-1924)
  • ايمورا شوين (1875-1949)

فترة تايشو


المناظر الطبيعية والفن. كيشيدا ريوسي

خلال فترة تايشو ، سيطرت الأنماط الأوروبية على الأساليب التقليدية. خلال هذه الفترة ، عاد العديد من الفنانين (بما في ذلك Arishima Ikuma) إلى اليابان بعد إقامة طويلة في أوروبا ، حاملين معهم تقنيات الانطباعية وما بعد الانطباعية المبكرة. يعمل كميل بيزارو(كميل بيسارو) ، بول سيزانوقد أثر بيير أوغست رينوار (بيير أوغست رينوار) ​​على الرسم في بداية فترة تايشو. ومع ذلك ، فإن الفنانين الذين عملوا في الأساليب الأوروبية خلال فترة تايشو انجذبوا أيضًا نحو الانتقائية ، بالإضافة إلى وجود العديد من الاتجاهات الأخرى في الرسم. وتشمل هذه جمعية Pencil Society (Fusain Society ، Fyuzankai) ، التي انجذبت نحو ما بعد الانطباعية ، وخاصة fauvism. في عام 1914 ، أقامت جمعية نيكاكاي (جمعية القسم الثاني) معرضًا لمعارض بانتين الذي ترعاه الحكومة.

تأثر الرسم الياباني التقليدي لفترة تايشو بشكل طفيف بالحركات الأوروبية المنافسة مثل الكلاسيكية الجديدة وأواخر ما بعد الانطباعية.

ومن المثير للاهتمام ، أنه بحلول نهاية فترة تايشو ، بدأ أسلوب نيهونغا في الانتعاش ، متبنياً بعض سمات ما بعد الانطباعية. شكل الجيل الثاني من فناني Nikong أكاديمية الفنون الجميلة اليابانية (Nihon Bijutsuin) للتنافس مع Banten التي تمولها الحكومة ، وعلى الرغم من أنهم استمروا في استخدام تقليد yamato-i ، واستخدام وجهات النظر الغربية والمفاهيم الغربية للفضاء والإضاءة تدريجيًا تقلص الفرق بين نيهونجا واليوغا.

فنانون يابانيون بارزون في فترة تايشو:

  • كيشيدا ريوسي (1891-1929)
  • يوروزو تيتسوغورو (1885-1927)
  • يوكوياما تايكان (1868-1958)
  • شيمومورا كنزان (1873-1930)
  • هيشيد شونسو (هيشيدا شونسو ، 1874-1911)
  • هوني سيسون (مايدا سيسون ، 1885-1977)
  • إمامورا شيرو (1880-1916)
  • توميتا كيسين (1879-1936)
  • نايامي جيوشو (1894-1935)
  • كواباتا ريوشي (كواباتا ريوشي ، 1885-1966)
  • تسوتشيدا هاكوسين (1887-1936)
  • موراكامي كوجاكو (موراكامي كاجاكو ، 1888-1939)
  • كابوراكي كيوكاتا (1878-1972)
  • تاكيهيسا يوميجي (1884-1934)
  • ايمورا شوكو (1902-2001)

فترة شوا

كان الرسامون اليابانيون الرئيسيون في هذه الفترة ياسوي سوتاروو أوميهارا ريازابورو، والتي أدخلت مفاهيم الرسم النقي والتجريدي إلى الأساليب اليابانية التقليدية ، مما جعل الرسم الياباني أكثر وضوحًا. واصل ليونارد فوجيتا وجمعية نيك هذه الدورة ، مضيفين عناصر من السريالية. لمواصلة العمل في هذا الاتجاه ، في عام 1931 جمعية الفنون المستقلة(جمعية الفن المستقلة ، Dokuritsu Bijutsu Kyokai).

خلال الحرب العالمية الثانية ، كانت سيطرة الحكومة ورقابتها تعني السماح فقط للمواطنين الوطنيين. شارك العديد من الفنانين في الدعاية الحكومية ، ولم تكن المراجعات النقدية لعملهم محدودة.

بعد الحرب ، تم تأسيس أكاديمية الفنون اليابانية (Nihon Geijutsuin) التي ترعاها الحكومة في عام 1947 ، مع كل من أقسام nihonga واليوغا. توقف التمويل الحكومي للمعارض ، ولكن ظهرت معارض خاصة مثل Nitten ، والتي كانت أكثر شمولاً. على الرغم من أن Nitten كان في الأصل معرضًا لأكاديمية الفنون اليابانية ، إلا أنه منذ عام 1958 تدار من قبل شركة خاصة منفصلة. أصبحت المشاركة في Nitten بالفعل شرطًا أساسيًا للقبول في الأكاديمية اليابانية للفنون ، والتي كانت بدورها شرطًا أساسيًا للحصول على وسام الثقافة.

فنانون يابانيون بارزون في فترة شوا:

  • ياسوي سوتارو (1881-1955)
  • أومهارا ريوزابورو (1888-1986)
  • ليونارد فوجيتا (1886-1968)
  • ياسودا يوكيهيكو (1884-1978)
  • كوباياشي كوكي (1883-1957)
  • كاي هيغاشياما (كايي هيغاشياما ، 1908-1999)
  • أوغورا يوكي (1895-2000)

الفترة الحديثة في الرسم الياباني

بعد الحرب العالمية الثانية ، ازدهر الفنانون والخطاطين والنحاتون في المدن الكبرى ، وخاصة في طوكيو ، وانجذبت أذهانهم إلى ترتيبات الحياة الحضرية الحديثة المنعكسة في الضوء المتلألئ وألوان النيون والسرعات المحمومة لإبداعاتهم. تم استقبال جميع "تعاليم" الرسم في نيويورك وباريس بأذرع مفتوحة. بعد الفن التجريدي في الستينيات ، شهدت السبعينيات عودة إلى الواقعية ، متأثرة بتيارات مثل "أوب" و "بوب" ، والتي تجسدت في الثمانينيات في الأعمال الرائعة لشيوهارا أوشيو (شينوهارا أوشيو). عمل العديد من الفنانين الطليعيين الجديرين في اليابان وخارجها ، وفازوا بجوائز دولية. اعتقد هؤلاء الفنانون أنه لا يوجد "شيء ياباني" في عملهم واعتبروا أنفسهم جزءًا من مدرسة دولية. في أواخر السبعينيات ، أجبر البحث عن الصفات اليابانية والأسلوب الوطني العديد من الفنانين على إعادة النظر في أيديولوجيتهم والتخلي عما اعتبره الكثيرون الصيغ الفارغة للغرب. بدأت الرسم على الطراز الحديث في الاستفادة من الأنواع والآليات والموضوعات اليابانية التقليدية. تحول بعض الفنانين الذين عملوا بأسلوب mono-ha إلى الرسم لإعادة السمات اليابانية التقليدية في ترتيب المساحات وتناغم الألوان والشعر الغنائي.

تلوينفي النمط التقليدي (nihonga) استمرت الموضة في تحديث تقنيات الصور مع الحفاظ على ميزاتها المتأصلة. لا يزال بعض الفنانين الذين يعملون في هذا الأسلوب يرسمون على الحرير أو الورق باستخدام الألوان والحبر التقليدية ، بينما استخدم البعض الآخر وسائط أحدث مثل الأكريليك. كما تم ممارسة العديد من المدارس القديمة ، خاصة من فترة توكوغاوا. على سبيل المثال ، انعكست الطبيعة الزخرفية لمدرسة rimpa ، التي تتميز بألوان نقية رائعة وبقع الطلاء ، في أعمال العديد من الفنانين بعد الحرب وفي لوحات Hikosaka Naoyoshi في الثمانينيات. كما تم ممارسة واقعية مدرسة ماروياما أوكيو (ماروياما أوكيو) والطراز الياباني الخطي والعفوي في الثمانينيات. في بعض الأحيان ، تم استخدام كل هذه المدارس ، وكذلك المدارس القديمة مثل الرسم بالحبر في مدرسة كانو ، من قبل الفنانين المعاصرين بأسلوب تقليدي وبأسلوب حديث. في السبعينيات ، حصل العديد من الفنانين الذين عملوا على النمط التقليدي على جوائز وجوائز نتيجة ارتفاع شعبية الأنماط اليابانية. بالإضافة إلى ذلك ، في ثمانينيات القرن الماضي ، كان الفنانون المعاصرون من جنسيات أخرى يتجهون أيضًا نحو الأسلوب الياباني ، وابتعدوا عن المدارس الأوروبية. ذهب كل شيء نحو توحيد الشرق والغرب. لقد تغلب بعض الفنانين بالفعل على هذه المسافة ، مثل الرسام الشهير شينودا توكو. كانت لوحاتها الأصلية المجردة بالحبر السومي مستوحاة من الخط التقليدي ولكنها أدركت كتعبيرات حديثة للفن التجريدي.

يوجد حاليًا العديد من الفنانين في اليابان مستوحين من ثقافة الرسوم المتحركة الفرعية والجوانب الأخرى لثقافة الشباب. واحد من أشهر وأشهر هو تاكاشي موروكامي ، إلى جانب زملائه في الاستوديو كايكاي كيكي. تصور لوحاته مجتمع ما بعد الحرب في اليابان وتعبر عن موقفه تجاهه ويبدو أنها غير مؤذية في المظهر. يرسم الرسوم المتحركة واللوحات بأساليب متشابهة ، ولكنه يصنع المنحوتات واللوحات بأساليب أكثر تقليدية ، مما يؤدي عمداً إلى طمس الخطوط الفاصلة بين الرسم التجاري والرسم الجمالي.